Tres discos con fortísima influencia de bossa nova

Félix Morriña

Homenajes diversos se le han hecho a Madonna, pero uno de ellos llama la atención: Bossa N’ Madonna. The Ultimate Electro-Bossa Tribute Album To Madonna, el cual contiene 12 cortes con algunos de los temas más destacados de la intérprete de “Material Girl”, “Live To Tell”, “Hollywood”, “Like a Virgin”, “Holiday”, “Ray Of Light”, “Hung Up”, “Express Yourself” y “Vogue”, mismos que integran el disco producido y sacado a la venta en 2010 y que vuelve a tomar auge a raíz de las tantas grabaciones que salieron al mercado bajo la fortísima influencia del ritmo brasileño.

Participan en este material Dj Leao, United Rhythms Of Brazil, Nova Bossa LTD, Banda Do Sul, Glambeats Corp, Brazil XXI, Jingo, Sao Vicente, Deise Costa & Os Digitalistas, Groove Da Praia, Amazonics y Sixth Finger, quienes le dan el toque sensual requerido por los cánones del bossa nova. Sin duda es un disco que merece ponerle atención y provocar a los puristas u ortodoxos del ritmo sudamericano sobre lo que piensan de estas versiones, como también a los seguidores de la Chica material. Pongamos a trabajar el sentido auditivo.

Ya que estamos hablando de las versiones en bossa nova de músicos, intérpretes y compositores reconocidos a nivel internacional de la talla de Alanis Morrissette, Sade Adu, Cyndi Lauper, The Cranberries y Lady Gaga, entre otros, existe una grabación bajo el título de Divas Bossa (2011) en el que se escuchan versiones rarísimas a los temas “Ironic”, “Smooth Operator”, “True Colors”, “Dreams” y “Poker Face” de las cantantes previamente mencionadas, las cuales atraparán hasta el más indeciso porque están muy bien trabajadas, al grado de que puedes escuchar el disco en la oficina sin que incomode al resto de los compañeros.

También este disco incluye “Underneath Your Clothes” compuesta por Lester Mendez y cantada por la colombiana Shakira; “I Say A Little Prayer” de Burt Bacharach y Hal David cantada por Dionne Warwick y hecha todo un éxito en los años 70 por Aretha Franklin; “Total Eclipse Of The Heart” de Jim Steinman Pitchford convertida en himno en los años 80 por la cantante galesa Bonnie Tyler y “Bette Davis Eyes” de Donna Weiss y Jackie DeShannon hecha una rola inolvidable en 1974 por el cantante y compositor Kim Carnes. Hay otras sorpresitas en este disco de Divas Bossa, por lo que le invito a escucharlo.

De esta manera llegamos a un disco que es obligado en toda hemeroteca que merezca respeto, se trata de Reinas del bossa: Astrud Gilberto & Elis Regina (2011), un álbum doble que compila las mejores piezas de estos dos verdaderos símbolos de la música brasileña, del tropicalismo, de la samba, del jazz, de la música contemporánea de esa bella nación en constante crecimiento cultural. Cada disco contiene 13 temas, 26 cortes memorables en total que obligan al escucha a sumergirse en los años mozos de estas dos cantantes, donde al mismo tiempo te invita a que conozcas la tesitura vocal de cada una de ellas y sus respectivas aportaciones.

Las intérpretes se turnan entre tema y tema para mostrar al mundo lo que se hacía en Bahía y Porto Alegre en los años 60 hasta nuestros días. Como muchos saben Astrud Gilberto (nació como Astrud Evangelina Weinert) fue esposa de uno de los principales guitarristas de la bossa nova, Joao Gilberto, pero no por ello ha crecido a la sombra de su marido y ex pareja, sino todo lo contrario, porque tuvo la capacidad para trabajar al lado del compositor y pianista Antonio Carlos Jobim y del saxofonista estadounidense Stan Getz con quienes grabó el disco Getz/Gilberto (1963-64) pero no recibió el respectivo crédito porque entonces no era conocida en el mundo de la bossa. Se ha desempeñado como pintora y defensora de los derechos de los animales. Ha grabado temas en español y continúa vigente a los 72 años.

Por su parte Elis Regina, vivió una ajetreada estancia de 36 años sobre la tierra (nació como Elis Regina Carvalho Costa en 1945 y murió en 1982), pero dejó un legado que hoy día sigue vigente. Sus grabaciones son consideradas como el más grande registro de la bossa nova de los años 60-70 y el disco producido con Tom Jobim, Elis & Tom de 1974 es tomado como la más grande grabación del género de todos los tiempos. Elis Regina fue una dura crítica de la dictadura brasileña, pero no terminó en la cárcel por su fama, pero se ha especulado demasiado sobre su muerte, supuestamente por sobredosis de drogas, tranquilizantes y alcohol. Hasta la fecha no hay nada claro sobre lo que le pasó.

Querido lector, usted debe disfrutar “Aguas de marzo”, “Madalena”, “Acuarelo Do Brasil & Nega do cabelo duro”, “Triste”, “Nada será como antes”, “Casa no campo”, “Atrás Da Porta”, “Como Esse que eu vou” y “Voi deitar e rolar”, entre otras de Elis Regina, mientras que de parte de Astrud Gilberto le recomiendo “Agua de beber”, “Una vez te amé”, “Tristeza”, “Manha de carnaval”, “Samba de verano”, “O morro” y por supuesto “La chica de Ipanema”. ¡Escuchemos bossa nova. Hasta pronto!

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La Orquesta Mexicana de Tango realizará sentido homenaje a Piazzola en El Lunario

Félix Morriña

La noche del próximo viernes 6 de julio se llevará a cabo en el Lunario del Auditorio Nacional el vigésimo aniversario luctuoso del músico argentino Astor Piazzola por parte de la Orquesta Mexicana de Tango (OMT), que lidera el maestro bandoneonista César Olguín, quien a su vez festejará cuatro años de la creación de esta orquesta que interpreta tangos de la vieja guardia, como contemporáneos de autores sudamericanos como mexicanos. Aunque usted no lo crea hay tangos compuestos por mexicanos, pese al sentir de muchos ortodoxos que llegan a desconocerlos.

            En una entrevista publicada por el colega Xavier Quirarte para Milenio Diario, César Olguín dijo que el tango no es un género ajeno a la música mexicana, sino todo lo contrario. “La tradición del tango en México es más larga de lo que uno se imagina, porque el investigador Gastón Martínez Matiella hablaba siempre de un paralelismo entre el tango rioplatense y el tango mexicano. El investigador editó una serie de recopilaciones de tangos que datan de 1904-1905 de compositores e intérpretes mexicanos, que grabaron en Estados Unidos. O sea, que estamos hablando de inicios del siglo XX, donde ya hay principios de un tango mexicano, hasta nuestros días, donde también seducidos por esa magia, ese espíritu que es común a los seres humanos, compositores contemporáneos no han escapado a esa tradición de hacer tango”, aseveró el creador del disco El tango de México (2011).

            El disco mencionado contiene 16 tangos compuestos por María Grever (“Júrame”), Eugenio Toussaint (“Toussaint Tango”), Mario Lavista (“Tango Rag”), Martín Murano y el cantante argentino Pablo Ahmad (“Me juego por vos-Homenaje a México”), entre otros que representan el sentir del mexicano por el ritmo argentino y viceversa, pero además incluye temas que son representativos del Cono sur compuestos por Carlos Gardel (“Volver”), Roque Carbajo (“Hoja seca”), Carlos Gómez Barrera (“Tú eres mi destino”) y Nicolás Urquiza (“Sueño del ángel”), entre otros.

            Dentro del homenaje a Astor Piazzolla, la OMT interpretará las versiones instrumentales del disco El tango de México, porque la agenda del cantante Pablo Ahmad, como la del maestro César Olguín no lo permitieron y porque producir un concierto de estas magnitudes con toda la orquesta no es cosa fácil. También porque tienen planeada una sorpresa para todos los amantes del trabajo creativo de Piazzolla, según palabras del bandoneonista Raúl Vizzi, con quien sostuvimos una entrevista vía telefónica para charlar sobre este evento musical.

            El maestro Vizzi comentó que han grabado como OMT dos discos y que celebrarán cuatro años en el mismo sitio que les permitió debutar, casi en la misma fecha que se hará el sentido homenaje a Piazzolla. Explicó que interpretarán esa noche una recopilación de ambas producciones, especialmente las dos piezas que tienen grabadas del maestro Astor que vienen en el primer disco y cabe la posibilidad de grabar el concierto para que sea la tercera producción, pero será hasta el año próximo, porque están en este momento promocionando el contenido de El tango de México.

            “El concierto homenaje por el 20 aniversario luctuoso a Piazzolla responde a los intereses musicales de la Orquesta Mexicana de Tango (OMT) y del maestro César Olguín, pero al mismo tiempo porque tenemos una sorpresa especial para esa velada que será única en la que los jóvenes tendrán una participación idónea, porque el tango no es vetusto, no es viejo, no es sólo para gente adulta o de la tercera edad, sino para todos. En la orquesta tenemos  integrantes que son veinteañeros, en especial los violinistas Israel Torres, Alejandro Flores y Eliasib Morán, quienes han tenido en el tango una visión del mundo y de la vida. El único que ha dejado de cumplir años es el maestro César Olguín, todos los demás somos jóvenes”, expresó con voz pausada, pero festiva el maestro Raúl Vizzi.

Sobre el disco El tango de México el músico acotó: “Debo decir que la excelente participación del cantante Pablo Ahmad reforzó el concepto del disco y de la orquesta, en donde la voz es una instrumento más de la orquesta, porque no se trata de una orquesta acompañando a un cantante, sino todos en su conjunto respondemos a una sonoridad armoniosa. Todos respondemos a la vida que nos ha dado el tango y por lo que nosotros haremos de él”.

Antes de colgar, Vizzi comentó que para la velada del viernes 6 de julio a partir de las 21 horas participarán en los bandoneones César Olguín, Clara Stern y él, mientras que en los violines estarán Israel Torres, Citlali Hernández, René Torres, Alejandro Flores y Eliasib Morán; en el piano Frania Mayorquín y en el contrabajo Mario Cortés. Están todos invitados, por allá nos vemos.

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Liber Terán, Eljuri y "El Vasco" Yacamán en el Foro Cultural Landó

Félix Morriña

Viaja mucho sin olvidar su origen, fusiona una parte del folclore mexicano, como la música de banda sinaloense o la norteña con la música country, el folk tipo Bob Dylan, el rock estilo The Beatles, la música gitana, la balcánica, el salterio, la mandolina griega o la música turca, todo bajo el referente del eclecticismo sonoro sin mayor pretensión que seguir su propio instinto creativo. Él lo llama “El pop alternativo más variado sin prejuicios”. Estamos hablando de Liber Terán, otrora cantante de Los de Abajo (hasta el 2007) y desde hace tres discos y un lustro se desempeña exitosamente en la escena musical nacional que ha logrado trascender las fronteras.

            Entrevistado vía telefónica con motivo de su próxima presentación en el Foro Cultural Landó, el jueves 14 de junio a partir de las 21 horas (Nicolás Bravo Norte N. 825 esquina Paseo Matlatzincas, Toluca. Boleto 70 pesos), junto a la cantautora rockera de origen ecuatoriano, radicada en Nueva York, Eljuri, y del cantautor y artista plástico mexicano, pero radicado en el País Vasco desde hace casi una década, Jaime Alejandro Yacamán; Liber Terán dijo sentirse comprometido con todos los movimientos sociales gestados a mediados de la década de los años 90 con el Ejército Zapatista de Liberación Nacional (EZLN) hasta los ocurridos recientemente por la comunidad del Yosoy132 con el objetivo de modificar la grave situación en la que se encuentra el país y para generar estados de conciencia que favorezcan a una mejor calidad de vida.

            Sin duda el compositor de “Brillar”, “Después de las 10”, “Don’t Have To Be”, “El andariego”, “El gitano western”, “El lodo”, “Es cierto”, “El perro negro”, “El sube y baja”, “El jardín ideal” y “La sombra”, entre otras de gran importancia que seguro interpretará la velada del jueves, considera importante que los artistas y creadores mexicanos se comprometan con las causas sociales como marcan los cánones que nos heredaron los activistas de los años 60 del siglo pasado, por lo que siempre exhorta a la comunidad melómana que asiste a sus recitales a tomar las riendas de su futuro, como todo líder moral e intelectual sobre el entarimado.

            Con tres discos bajo el brazo, Gitano Western (2008), Tambora Sound System (2010) y Errante (2012), Liber Terán nos desmenuza el contenido de cada hostia plateada que ha concretado hasta ahora en plan solista. “Con Gitano Western me liberé creativamente de lo que venía haciendo con mis compañeros de Los de Abajo. En este disco comienzo una nueva etapa en la que trabajé con los sonidos norteños y country con un folclore estadounidense y la fusión de la música gitana balcánica, muy de la región de la ex Yuguslavia. Fue muy liberador”.

“Con el segundo disco, Tambora Sound System quise alejarme un poco de esos sonidos del primer trabajo para compenetrarme con la riqueza musical de la banda sinaloense, por lo que tuve que irme para allá un rato para trabajar con la tambora, sin olvidarme de los alientos del Este de Europa. Cabe destacar que en esa región del mundo, a lo que nosotros llamamos música de banda con tambora, ellos le llaman fanfarrias, eso nos acerca, pero también nos diferencia musical y culturalmente hablando. Hay momentos en los que tenemos coincidencias y otras donde nos desmarcamos por completo”, aseveró el lánguido cantautor de negro sombrero.

            Liber Terán agregó que para el tercer disco decidió no meter alientos y en cambio está presente el salterio, ése que se usaba durante la Revolución Mexicana, fusionándola con la mandolina griega, música turca, el pedal steel y los clásicos instrumentos rockeros. “Me atrevo a decir, con las debidas distancias y respetos, Errante tiene la influencia del disco Revolver de The Beatles y ese country pop de los años 60. Errante es un personaje que transita por el mundo cantando esperanza, rescatando el amor perdido en una ciudad difícil, tratando de superar la crisis existencial. Errante crónica el amor existencial, la esperanza emocional”, concretó el músico no sin antes invitar a los melómanos del Valle de Toluca a que asistan a este encuentro de tres momentos sonoros diferentes, pero unidos por el único deseo de mostrar lo que mejor saben hacer.

            Errante fue producido por Quique Rangel de Café Tacuba, en el que también participan Joselo de la misma agrupación, Julieta Venegas, Iñaki Manero (Fobia) y la acordeonista de origen franco mexicana Andrea Valencia. Son 13 canciones, de las cuales dos son covers, uno de Rockdrigo González titulado “Buscando trabajo” y el segundo una pieza popular griega llamada “Teli, Teli”. El disco aún está en maquila, pero en un mes estará ya en el mercado, es un disco de autor en el que se incluye la rola “¿Dónde se perdió la magia?”, una rola himno a los movimientos sociales, ésos con los que empezamos la entrevista.

            Pasando a la ecuatoriana radicada en Nueva York, Cecilia Villar Eljuri, quien ha venido varias veces a Toluca para tocar en el foro cultural El Baúl, trae consigo su nueva hostia plateada titulada Fuerte (Manovill Records, distribuido en México por Discos Intolerancia, 2012), el cual presentará completo en el concierto del Foro Cultural Landó del jueves. El disco contiene 10 temas de la autoría de Eljuri, salvo la rola que abre el producto, “Empuja”, el cual fue coautoría en partituras con el cantante Mario Muñoz, el baterista Sly Dunbar y el bajista Robbie Shakespeare. El plato incluye un remix, como bonus track, de la banda Kinky a la canción “Paloma”, el octavo tema de la lista.

“Fuerte es un verdadero reflejo de lo que soy. Mi esperanza es que esta música nos inspire”, enfatizó Eljuri en el cuadernillo del disco en cuestión, donde por cierto no aparecen las letras de “Un fósforo”, “Ya es hora”, “Enferma de ti”, “Derecho”, “Víctima”, “Las calles” y “Más fuerte” (estas dos últimas escritas con su tecladista Sergio Acosta León), por lo que la discográfica debió pensar más en el diseño del producto con calidad de exportación por su contenido sonoro.

La portada del disco, una guitarra Gibson con una uña con el nombre de la cantante colocada entre las cuerdas de los primeros trastes, acompañadas de una cajetilla de cerillos con el nombre del álbum, la mitad usados y los demás a la espera de ser utilizados, no convence por completo, como sí lo hace la música. No hay equilibrio entre forma y fondo, pese a los esfuerzos de la pintora Elizabeth Michaud y las fotografías de Alexandra L. Gatje y Paul Christensen. El trabajo discográfico está dedicado a la memoria del padre de Eljuri Paco Villar, una importante influencia para la guitarrista, cantante y compositora nacida en Guayaquil, Ecuador.

Como siempre, Eljuri se hace acompañar de músicos de primer nivel y para esta obra después de En paz (2008) que promocionó mucho en México, al grado de irle bastante bien durante su participación en el Festival Internacional Vive Latino, grabaron el baterista Alex Alexander, el bajista Keith Golden, el cantante Mario Muñoz y el mencionado tecladista Sergio Acosta. Grosso modo el disco le da continuidad al trabajo de calidad del disco anterior, pero con mucho más convencimiento musical y letrístico.

No queda más que recomendar a los melómanos del Valle de Toluca vayan el jueves a ver y escuchar estas tres propuestas, ya les contaré de lo que ofrece El Vasco Yacamán, una vez que lo haya contactado, porque hasta el cierre de esta edición no había dado señales de vida. ¡Por allá nos vemos!

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"La Mission", una historia contra la homofobia en el barrio de los hermanos Bratt

Félix Morriña

Para los estadounidenses los latinos somos iguales, somos machos, que arreglamos todo a golpes, desordenados, maleducados, intolerantes, religiosos, prejuiciosos e ignorantes, entre otras tantas cosas que se resumen en un mal estereotipo de la cultura latina. Con la salida al mercado de La Mission, película de Peter Bratt, en la que actúa el papel principal su hermano Benjamin Bratt, que encarna a “Che Rivera”, un ex convicto, un alcohólico en rehablitación, tatuado con imágenes que representan al cholo macho, pero con mucha disciplina física y mental, orgulloso de su origen latino, ferviente seguidor de la Virgen de Guadalupe y amante de los lujosos coches clásicos (Lowriders, a los que convierte en auténticas obras de arte en cuatro ruedas), la postura de los gringos debe modificarse respecto a cómo somos.

            Si bien es cierto en gran parte lo que nos caracteriza bajo ese estereotipo, existen también muy buenas historias que deben contarse desde el séptimo arte para entendernos mejor, como la que retrata Peter Bratt, cineasta de origen peruano que creció junto a su hermano Benjamin en el barrio del distrito de La Mission, ubicado en San Francisco, California, un sitio en el que cada vez más los chicanos se van apoderando de las calles, pero sin valorar por completo toda la esencia chola que les dio origen, por eso es importante señalar que se debe mantener vigente lo más valioso del pasado milenario indígena para no ser transculturizados por los gringos.

            Pero ese no es el tema central de la película, aunque sí está presente todo el tiempo, al igual que la excelente banda sonora que es tema aparte de la vida del cholo en los Estados Unidos. El tema central es la homosexualidad y de cómo habrá que tomárselo en serio dentro de las comunidades latinas en esa región del mundo, más allá de los prejuicios y del precio a pagar por llevar una vida diferente a los cánones establecidos. El adolescente hijo de “Che Rivera” es gay, afectando la forma de pensar y de vida de su padre, conductor de autobús en su propio barrio La Mission y artista de los Lowriders por la noche, junto a su pandilla.

            Como muchos saben, Benjamin Bratt es muy conocido en México, gracias a los tantos capítulos que protagonizó en la famosísima serie policiaca La Ley y el orden, en la que desempeña el papel de uno de los principales detectives. Él, al igual que su hermano, han tenido siempre presente la idea de mostrar el barrio en el que crecieron, junto a su enfermera madre soltera, que los educó para sobresalir de la violencia existente en La Mission, pero se dieron cuenta que era necesario abordar un tema tabú y defender esa preferencia, como un derecho civil ciudadano y humano.

            Sobre la película, el actor Benjamin Bratt dijo en una entrevista de hace dos años publicada en la internet que “la regla de oro para el cineasta es escribir lo que sabes, y por eso para nosotros fue más fácil plasmar la historia de un barrio, La Mission, que tenemos tan dentro del corazón”. Cuando el periodista Pablo Scarpellini le preguntó de la homosexualidad entre la comunidad latina, el famoso actor le explicó: “Creo que al final es una cuestión de percepción. Nos dijeron que por qué queríamos contar una historia de gays cuando ya se había tratado muchas veces, pero era algo novedoso en el mundo hispano. ¡Hay mucha estrechez mental a la hora de entender a los latinos en Hollywood!”.

            Por su parte, el cineasta Peter Bratt habló de cómo le podría ir a la película en términos de comercialización. “La primera regla en esta ciudad (Hollywood) es el vil metal, el dinero. Los grandes estudios no están dispuestos a aceptar una película si no le ven un mercado muy claro para ello”, acotó el director no sin antes mencionar que pensó muchas veces en los obstáculos a los que se enfrentaría La Mission, sangre de barrio, para lo cual crearon una productora para poder distribuirla con mejores condiciones.

            “Hemos creado una productora para continuar haciendo lo mismo. Tenemos muchas ideas, algunas del estilo de documental y nuestra misión es conseguir un lugar en el mercado para ellas”, enfatizó el actor Benjamin Bratt, quien está convencido del talento detrás de cámaras de su hermano Peter. “Me gusta su manera de pensar, como enlaza el arte del cine con la justicia social. Es un director visionario, porque empieza con la germinación de una simple idea y le otorga todos los matices posibles de la humanidad que nos rodea. El hecho de haber narrado una historia como ésta en un barrio con tantas presiones es algo valiente. Él es un provocador, y como todo buen artista provoca discusión. Esta película seguro es todo eso”, concretó el histrión de origen sudamericano.

            En otra entrevista realizada en Dallas, con la periodista Laura Hiros, Peter Bratt enfatizó sobre el contenido de su película, en la que mencionó que “todo empezó por mi curiosidad sobre las fuentes de violencia y como las relacionamos con la masculinidad, para mí el personaje de mi hermano es el arquetipo de un hombre que ha crecido con la violencia como única forma de relacionarse con el mundo y cuando enfrenta la homosexualidad de su hijo tiene que separarse de todo eso y crecer como ser humano”.

            En esa misma charla, Benjamín Bratt argumentó que fue un placer filmar en el lugar donde aún residen integrantes directos de su familia, pero que “no regresamos a nuestras raíces, nos dedicamos a celebrar algo que amamos. El personaje del ‘Che’, Peter lo basó en un conocido con ese nombre, él fundó uno de los clubes de autos antiguos del bario y es un conductor de camión de ruta que sigue viviendo en La Mission, lo único diferente es que él no tiene un hijo homosexual. Pero sí tiene una personalidad impresionante, es casi como actor, por lo que fue una gran inspiración”.

            Benjamín enfatizó que la película les encantó a la gente del barrio, al grado de que “la gente salía del cine con un tremendo orgullo de sus raíces, ver a la comunidad latina representada tridimensionalmente les impactó, pues todos sabemos que cuando Hollywood saca una cinta sobre latinos, no son multidimensionales ni precisos, lo que tratamos con esta cinta La Mission, además de los temas tabú, fue capturar el balance de la vida de estos seres humanos”.

            Finalmente, Peter redondea el contenido de La Mission, cinta ampliamente recomendable rodada en el 2009 y proyectada durante ese año y parte del 2010 en la Unión Americana, misma que ya puede conseguir en formato DVD para disfrutarla con su pandilla o gente mayor a los 15 años. Dura exactamente hora y media. “En esta película no hay una sola historia de latinos, o una sola historia de nuestro barrio, los latinos somos muy complejos, venimos en todos los tamaños y colores, este filme que aunque es muy urbana y específica de la cultura latina, está resonando ente otras minorías, como la afroamericana y la homosexual”, concretó Peter Bratt.

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La colombiana cumbia rebelde balcánica de Puerto Calendaria en México

Félix Morriña

No son la tradicional cumbia colombiana que conocemos en México de allá de los años 70-80, son una rara mezcla de música balcánica con dosis discretas de ska y mucha cumbia contemporánea, entre otras sonoridades latinoamericanas asentadas en Medellín, su ciudad referente. Son combativos como marcan los cánones actuales de la Colombia post Álvaro Uribe y del actual dirigente Juan Manuel Santos. Son un sexteto que trae en la sangre el fervor del cambio, unos cabrones amables, unos parcelos dueños de una confianza que te lleva de la mano a la fiesta, pero sin dejar atrás los problemas cotidianos. Son de eso tipos que te hacen pensar porque aman la cultura y recuerdan al sueño bolivariano, pero adaptándolo a la realidad actual. Son Puerto Candelaria.

            Tuvimos la oportunidad de entrevistar a dos de los seis huercos de la banda (como diría el memorable maestro Piporro), al director, arreglista, acordeonista, tecladista y principal compositor Juancho Valencia y al bajista y principal cantante, Eduardo González, en las instalaciones de la independiente Discos Intolerancia, en la colonia Condesa de la capital del país, la tarde del pasado miércoles 6 de junio, un día antes de las celebraciones de la Libertad de Expresión en un país donde eso es poca cosa y que en Colombia siguen tratando de ejercer, pese a circunstancias similares con México: La narcocracia imperante en ambas naciones, donde también mueren miles de gente inocente y periodistas en acción.

            “Puerto Candelaria queda en la imaginación de los músicos de Puerto Candelaria, donde se pescan truchas cumbieras, porros eléctricos, con muchas dosis y letras de humor, mucho veneno también. El grupo es un pescado envenenado, como pez vietnamita, no como pez globo. Puerto Candelaria es un pueblo de la costa tropical colombiana, muy caluroso, húmedo, caótico, donde hay muchos animales, donde hay mucha cultura, mucha comida, como también mucha pereza, porque el trópico no te deja pensar, sólo deja reproducirse a más no poder, porque ahí están las mujeres más hermosas de la nación. En Puerto Candelaria las mujeres son muy peligrosas, por eso el costeño, el rivereño, el puerto candelario trata de concentrarse un poco, de estudiar para que las mujeres no los desvíen a uno por el camino del mal”, señaló a carcajada abierta la voz cantante Eduardo González al preguntarle sobre quiénes son y qué hacen en la vida.

            Con cuatro discos en su haber (Kolombian Jazz, Llegó la banda, Vuelta canela y Cumbia rebelde, éste último motivo de su reciente visita a México en plan promocional para regresar a gira nacional en septiembre), Puerto Candelaria cuenta con una artillería pesada en cuanto a sonoridad, es una cumbia estratégica, con un sonido bailable en cualquier escenario del mundo, con unas letras que bien pueden apreciar los amantes de la música inglesa, es decir, del rock, tal y como lo hiciera en su momento la maravillosa banda The Clash, que tanto amó y se influenció con los movimientos sociopolíticos de la América Latina.

            “Es una música para mover las nalgas, pero también para mover las neuronas. Es la combinación de una nueva Colombia, ésa que entiende el potencial de la fiesta y la alegría y utiliza eso como herramienta para transmitir sus ideas. En Puerto Candelaria esa mezcla es muy efectiva y puede lograr contaminar a muchos seres en el mundo, es más hay una encuesta reciente, no sé quién la haga, pero la cito por su importancia, sobre los países más felices del mundo y Colombia figura en primer lugar. Imagínate que Colombia es el país más feliz del mundo pese a lo que vivimos allá. Yo todavía no entiendo por qué (se oyen múltiples carcajadas y el clásico sonido de una esnifeada). ¿Será cierto?”, comentó con entusiasmo el líder de la agrupación, el morocho Juancho Valencia.

            Al preguntarles sobre la situación sociológica de su nación, Valencia exclamó: “Nosotros venimos de una ciudad que se llama Medellín, una ciudad que por excelencia es el punto más álgido de los conflictos armados, más allá del estigma de la guerra agreste vivida en los años 80, de la cual nosotros somos sobrevivientes, porque no somos ciudadanos, sino sobrevivientes (de nuevo tremendas carcajadas) y aquí está ese resultado. Somos optimistas, nosotros decimos ‘Optimismo frente al abismo’. Sin duda tuvimos mucho miedo y Puerto Candelaria es el reflejo del optimismo, gracias a que las autoridades invirtieron millones de dólares en la cultura y eso nos ha salvado del miedo y de los conflictos. La cultura ha sido nuestro remedio y veneno ante la guerra. Ojalá que México pase por lo mismo, para llegar a la felicidad que tenemos en Colombia”.

            El cuarto disco Puerto Candelaria, cumbia rebelde, fue grabado el año pasado, con un sonido internacional, con sonido balcánico, guerrero, una cumbia balcánica, con sonidos brasileños y de pueblos cercanos a Colombia. Es un disco muy orgánico a decir de los dos integrantes consultados. Contiene 10 rolas, de entre las que se destacan “Upa beat”, “Cumbia estelar”, “Se cae”, “Balkánica”, “La tusa”, “Cumbia rebelde”, “El desorden”, “La fiera” y “Como yo soy tan raro”. El disco incluye los videos “Cumbia rebelde” y “Upa beat- Locomotora live”, ampliamente recomendables.

            Luego de ver el video de la rola “La fiera” en internet, en donde Puerto Candelaria narra en este videoclip lo difícil que es complacer y divertir a los niños, es una rola homenaje a la infancia, donde ellos deciden practicar lo que la imaginación de un grupo de infantes desea, convirtiéndose en algo divertido, aunque eso signifique que los músicos sean tratados como guiñapos e inocentes víctimas de los menores a lo largo de casi cinco minutos.

Al final del video aparece una leyenda que nos rompe las pelotas y que es una pesada realidad en esa hermana nación sudamericana: “En Colombia no hay certeza sobre la cifra de niños que combaten en una guerra absurda de adultos… No son pocos”, sea cual sea ésta. Los créditos del video anuncian a los integrantes con sobrenombre, como una invitación para los melómanos seguidores a que los identifiquen como parte de un jueguito: Puerto Candelaria está integrado por Sargento Remolacha;  El caballero del bajo, Josela, El Loco; Cristo, Barromán; Casso, El sabio y Diggy, El niño. Usted sabrá de qué se trata una vez que haya visto el video. Luego se le invita a que vea “Cumbia rebelde”, un video en directo para que sepa a qué atenerse para cuando los vea en vivo en el otoño mexicano.

De esta manera, sólo nos resta esperar a que regresen a México para invitarlos a tocar en algún foro de Toluca, donde los esperamos con los brazos abiertos. ¡Salud, hermanos!

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Paco de Lucía en vivo en España y La Santa Cecilia en Toluca

Félix Morriña

“Yo echaba de menos hacer un disco en directo. Una grabación en vivo es un lujo, puedes sentir la respiración de los músicos que están a tu lado, es espontáneo, festivo, te lo pasas bien. A veces hay fallos, pero te encuentras en un estado de excitación en el que la adrenalina te ayuda a encontrar soluciones, casi siempre sorpresivas y que a veces superan la composición original. Lo que sucede es real. La energía que se crea en el escenario nunca se conseguiría en un estudio de grabación. Allí te puedes acercar a la perfección, pero el alma de la música es más probable que aparezca en un directo”.

Así lo manifestó el maestro del flamenco Paco de Lucía al referirse a su nuevo álbum doble que registra los recitales por España durante el 2010, en el que se hizo acompañar de un septeto de excelsos músicos, como el segunda guitarra Antonio Sánchez; el bailarín Antonio Fernández Farru; el percusionista Israel Suárez Piraña; el armoniquista y tecladista Antonio Serrano; el bajista Alain Pérez y los cantaores Juan Rafael Duquende Cortés y David Maldonado, quienes le dieron el toque andaluz tan reconocido a lo largo de la historia de Paco de Lucía.

A sus 64 años, el nacido como Francisco Sánchez Gómez en Algeciras, Cádiz (1947) sigue dando de qué hablar más allá de los 33 discos oficiales y las tantas recopilaciones en las que ha participado y en esta ocasión, para todos aquellos que no conocen, no se han dado la oportunidad de disfrutar del cante jondo con una maravillosa guitarra y algún zapateao, el disco Paco de Lucía en vivo, conciertos Live In Spain 2010, es una buena oportunidad para saber en qué consisten las aportaciones de este gran representante de la música andaluza, que se atrevió a poner por encima de la voz dolida a la guitarra de madera de seis ó 12 cuerdas.

Paco de Lucía ha experimentado con el jazz, la música experimental y la clásica; ha hecho homenajes a grandes, como a Manuel de Falla, Federico García Lorca, Joaquín Rodrigo y Castro Marín, como también ha colaborado con artistas de la talla de Camarón de la Isla, Al Di Meola y John McLaughlin, con éste último escribió la introducción de la rumba titulada “Vámonos”, incluida en el disco que hoy nos toca reseñar. En total son ocho piezas magistrales las incluidas en este álbum doble, todas de larga duración y van de las bulerías, a las mineras, pasando por los tangos, la rumba y la siguiriya.

Si usted no aguanta tanto tiempo el flamenco, le sugiero escuchar “Tangos con cositas buenas”, “Moraito siempre”, “El cafetal” y “Zyryab en vivo”, para que poco a poco vaya enamorándose del género y sus vecinos comiencen a dudar de la procedencia de su influencia sonora. Para los que tenemos más tiempo de escuchar flamenco (recomiendo ampliamente cualquier disco de Tomatito), no hay pierde, es calidad absoluta, es experiencia garantizada. Es hora de invertir poco más de 90 minutos escuchando los dos discos de Paco de Lucía en vivo en España.

Por otro lado, quiero informarles que este jueves 7 de junio a partir de las 21 horas en el foro Landó de Toluca (Nicolás Bravo esquina Circunvalación-Paseo Matlatzincas) se presentará la completamente ecléctica banda de Los Ángeles, California, La Santa Cecilia, quienes nos darán a conocer el contenido de su reciente EP titulado Noche y citas con chicle, cuyo sencillo “La negra” ha movido a centenares de personas en sus conciertos y provocado sorpresa entre todos aquellos que son mucho más conservadores y/u ortodoxos en cada género musical o puristas en el sentido estricto de la palabra. Con este tema han podido llegar a la nominación del Grammy Latino.

Como buenos latinos-chicanos en la Unión Americana, sus influencias provienen de todos lados y no tienen empacho en trabajarlo en su muy peculiar estilo, que va de la música ranchera, al bolero, huapango, al son, a la música folclórica mexicana en general (incluyendo mariachi y norteña), al rock, rumba, pop, jazz, blues, rockabilly, cumbias y todos los géneros musicales existentes en ese abanico, en ese crisol sociocultural que está pasando la frontera norte y en el que todos tenemos algo que ver o entender. Para muchos no es fácil escuchar por primera vez “One” de Johnny Cash en la versión de La Santa Cecilia, como tampoco no es fácil para un rockero empedernido escuchar un popurrí de Juan Gabriel, como tampoco una set de pura música disco al puro estilo tintanesco. Vamos, no es fácil a la primera escuchada.

Es más, platicando con algunos colegas y amigos, me dijeron que para ellos La Santa Cecilia es un sexteto que bien puede amenizar las fiestas familiares los fines de semana en lugar de contratar a un grupo versátil. Habrá que preguntarles esa noche de jueves qué piensan de esto, porque no se pudo concretar la entrevista vía telefónica porque ambos, ellos y este interlocutor, estaban en plena carretera y con poca señal de celular, pero seguro dirían que todo se vale a la hora de crear y recrear, pero sobre todo en el entarimado las cosas son muy diferentes, por el nivel profesional que poseen.

Luego de la pasada edición del Festival vive Latino, platiqué con algunos colegas rockeros y me comentaron que este encuentro musical se estaba charangueando y tropicalizando, vamos, que cada vez meten a más grupos que tienen esa tendencia en el escenario nacional, como es el caso de Sonido San Francisco que causó revuelo y que les preocuparía si algún día meten a la Agrupación Cariño, La Sabrosa Sabrosura y a La Santa Cecilia. Yo creo que habrá que atenerse a los fenómenos musicales existentes, nos gusten o no, y si se sienten invadidos, tendremos que exigir a la comunidad rockera que se ponga las pilas y ofrezca una nueva tendencia favorable.

Lo que si propongo es que nos demos la oportunidad de escucharlos y disfrutarlos sin prejuicios, ya después cada quien sabrá para donde tira. Por eso propongo que vayamos a ver a la morocha cantante Marisoul, al acordeonista y requintista Pepe, a la guitarrista Gloria, al bajista Alex, al baterista Hugo Vargas y al percusionista Miguel Ramírez para escuchar “Jack”, “Samba que”, “El farol”, “La negra”, “Finita”, “Uzumaki”, “Vengo”, “Se va” y “Chicle”. ¡Por allá nos vemos!

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"Born Villain", la nueva hostia plateada de Marilyn Manson

Félix Morriña

Al destapar el disco encuentra uno la leyenda de que si quieres leer las letras del álbum debes meterte a una página ex profeso. Tampoco hay mayor referencia que un par de fotos, la de la portada y una más de Marilyn Manson con los ojos cerrados en el interior del nuevo trabajo discográfico titulado Born Villain (Nacido villano, 2012). Una ficha técnica enmarca el negro disco del compositor, cantante, actor, director de cine, pintor y escritor nacido en Ohio en 1969. El resto lo componen 14 cortes que van de un electro metal industrial a una música demasiado teatral con sádicas referencias, o como el propio autor ha señalado: Se trata de “Death Metal Suicida” para gente atrevida.

            Lo cierto es que el controversial creador de los álbumes Portrait Of An American Family (1994), Smells Like Children (1995), Antichrist Superstar (1996), The Last Tour On Earth (1999), Mechanical Animals (1998), Eat Me, Drink Me (2007) y The High End Of Low (2009), entre otros, siempre ha dado de qué hablar y en esta ocasión las máquinas registradores comenzaron a funcionar a la velocidad de 80 mil copias vendidas en el mundo en una semana, lo que quiere decir que sus más fieles seguidores estaban esperando este nuevo material, el octavo hecho en estudio.

            El tema promocional se llama “Overneath The Path Of Misery” y las primeras líneas rinden homenaje al dramaturgo y escritor William Shakespeare. Marilyn Manson recita o mejor dicho susurra al oído: “Y la luz de todo nuestro ayer guió a los necios/ hacia el polvo de la muerte/ ¡Apágate, breve llama!/ La vida es una sombra que camina/ un pobre actor que en escena se arrebata y contonea/ y nunca más se le oye./ Es un cuento que cuenta un idiota/ lleno de ruido y furia,/ que no significa nada” (termina la cita), para después entrar de lleno a una rola densa, pero consumible si nos atenemos a que se trata de una puesta en escena y de esta forma no perturba a la audiencia. Leamos la traducción de dicho tema:

“Mirando fijamente a mi Kodak Rome,/ los ojos de hielo de Jack Hammer,/ nunca pensé que vería el asfalto/ crack, crack, crack,/ rompiendo como cáscara de un huevo negro./ No vuelvas a decir que no te lo advertí desde el principio/ Tú no eres una pala y yo no soy tierra./ ¿Hay alguna manera de no tragarme mi orgullo,/ puedo joderme a mí mismo?/ ¿Por qué morir cuando puedes matar al padre?/ Padre tiene una ‘e’ perdida./ Macbeth no confesó a Edipo./ Ya no es tiempo presente,/ no, no, no, no, no hay razón./ No, no, no, no, no hay razón./ En lo alto y por encima./ En lo alto y por encima./ No me arrepentiré de dejarte vivir/ incluso si olvidas de lo que nunca me salvaste./ Así que digo lo que sea, o para nada/ para nada, para, para, para nada,/ para, para, para, para nada lo que sea./ El rapto de Perséfone fue coreografiado por los griegos equivocados,/ el rapto de Perséfone fue una campaña de marketing./ Violación, violación,/ violación falsificada./ En lo alto y por encima/ por encima, por encima./ Desde lo alto de mis pulmones/ hasta el fondo de mi corazón, grito/ entre el abismo y el camino de la miseria./ Por encima, por encima/ pretencioso, indeseable, no puede caer./ Desde lo alto de mis pulmones/ hasta el fondo de mi corazón, grito/ entre el abismo y el camino de la miseria…”.

Sobre este disco el guitarro Twiggy Ramirez señaló en una entrevista publicada en internet que considera a Born Villain el mejor disco, pese a que antes de su salida oficial, dos integrantes de la banda decidieron, por separado, abandonar las filas de Marilyn Manson, argumentando entrar en otra faceta en sus respectivas carreras. Estamos hablando del baterista Ginger Fish y del tecladista, baterista y productor Chris Vrenna, éste último anunció estar orgulloso del trabajo que hizo al lado de Marilyn Manson en Born Villain y deseo suerte a sus “hermanos” de grupo, porque regresaba a la composición de música incidental para algunas películas.

Para la elaboración de este disco, Manson tenía planeado invitar a la cantante Lady Gaga y al líder de la banda alemana Rammstein, Till Lindemann, pero no se concretó por razones de agenda, pero en algún momento tiene pensado incluirlos en sus proyectos. Las letras de las canciones de este disco fueron escritas durante el Etc… Tour del 2009, año en el que dejaron la disquera Interscope Records para posteriormente ser parte de la independiente Cooking Vinyl Records en asociación con Hell y Shamrock Solutions LTD.

Para el lanzamiento de esta hostia plateada Manson realizó un cortometraje con el actor Shia Saide LaBeouf, pero tuvo sus primeros problemas con la difusión del sencillo “Overneath The Path Of Misery”, porque en varias naciones donde Marilyn es persona non grata, por ser una mala influencia para los jóvenes, no pudieron transmitir las imágenes sangrientas, calificadas como cine porno gore, lo cual está prohibido. Según Manson, las rolas de este disco son muy conceptuales, pertenecen a una línea sonora y lírica que van de la mano, pero que se pueden apreciar por separado, como es el caso de “Hey, Cruel World”, “No Reflection”, “Pistol Whipped”, “Sio-Mo-Tion”, “The Gardener”, “Children Of Cain” y “Breaking The Same Old Ground”.

Una de las sorpresas de este disco es la colaboración del actor Johnny Depp en la última rola nombrada “You’re So Vain” (Eres tan vanidoso), que viene siendo el bonus track de la hostia plateada. Esta rola de 1972 es de la estadounidense Carly Simon. Aunque usted no lo crea, Depp se ha declarado abiertamente fiel admirador de Manson e incluso ha tocado la guitarra al lado de su amigo en algunos conciertos, el que más recordamos es el de la entrega de los premios Revolver Golden Gods de Los Ángeles, California.

“Él (Depp) toca la batería y la primera guitarra, mientras que yo toco la guitarra y canto. Es el bonus track de este disco y en el video seguro apareceremos mirándonos al espejo y en el reflejo aparecerá el otro”, explicó Marilyn Manson a la cadena musical MTV hace unas semanas. Más allá de la natural curiosidad y del morbo por ver el mencionado video, este disco tiene la madera para atraer la atención de melómanos experimentados y con los oídos abiertos. Hasta la próxima.

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