sábado, 29 de diciembre de 2012

Rinden tributo a Led Zeppelin gigantes del rock



Félix Morriña
Después de que muchos pensaban jamás volver a ver a Robert Plant en vivo en México, una de las mejores noticias del 2012 fue su presencia el pasado lunes 12 de noviembre en el Auditorio Nacional, donde ofreció uno de los mejores conciertos efectuados en este país. Y para conmemorar ese encuentro con el público mexicano, nada mejor que conseguir la más reciente hostia plateada tributo a la banda que lideró oficialmente por 12 años: Led Zeppelin.
         “Led Zeppelin, The Ultimate Tribute” (distribuido en México por Prodisc desde el 2010) es un álbum doble que contiene 20 temas éxito que marcaron la existencia de una de las más grandes e importantes agrupaciones del rock en el mundo. Nadie ha escapado del encanto sonoro de la banda conformada por el cantante Robert Plant, el guitarrista Jimmy Page, el bajista John Paul Jones y el baterista John “Bonzo” Bonham, al grado de rendirle pleitesía a la menor provocación todos sus herederos musicales.
         Es de todos sabido que Led Zeppelin es irrepetible y que nadie ha podido superar lo hecho por ellos. Incluso hay quienes aseveran que nadie podría igualar el talento en la batería de Bonham, porque se han necesitado hasta dos bateristas para concretar alguna de las piezas clave del grupo. Fueron tan grandes que una vez muerto “Bonzo” ya no pudieron continuar más, porque era insustituible. Creo que eso nos queda claro.
         Es por ello plausible que el hijo de otro maestro como es Frank Zappa, el guitarrista Dweezil, junto con el cantante Michael White, el bajista de Yes, Billy Sherwood y el otrora bataco de Frank Zappa, el genial Vinnie Colaiuta, toquen nada más y nada menos que ‘Stairway To Heaven’, tema nodal convertido en himno en la carrera de Led Zeppelin.
         Por su parte, el cantante de Blue Oyster Cult, Eric Bloom nos despacha con ‘Good Times, Bad Times’ al lado del seis cuerdas de la potente agrupación Motorhead y Thin Lizzy, Brian Robertson; el bajista de The Firm, Tony Franklin  y el baterista de Jethro Tull, Doane Perry.
¿Podría imaginarse al cantante de Rainbow, Joe Lynn; al guitarrista de The Doobie Brothers, Jeff “Skunk” Baxter, los mencionados bajista y baterista Tony Franklin y Doane Perry, respectivamente, y el guitarrista de las 12 cuerdas de Meat Loaf, Bob Kulick, tocar ‘Babe I’m Gonna Leave You’?
Ahora si me obligan a decir cuál de las 20 rolas es la mejor para mí, les diría cómodamente que todas, pero si aprietan más y me dan dos whiskies Jack Daniels en las rocas, me tiendo a moco tendido para berrear ‘All My Love’, ejecutada por el vocalista Michael White, el guitarrista Walter Trout; el tecladista, el bajista y el baterista de Yes, Tony Kaye, Billy Sherwood y Alan White, respectivamente.
No podemos dejar de lado los rolononones ‘Whole Lotta Love’, ‘Black Dog’, ‘When The Levee Breaks’, ‘Heartbreakers’, ‘Dazed And Confused’, ‘Inmigrant Song’, ‘Ramble On’ y por supuesto ‘Rock & Roll’, entre otras. En pocas palabras, este disco está hecho por integrantes de agrupaciones legendarias que rinden pleitesía a Led Zeppelin como Rainbow, Toto, ELP, Kiss, Motorhead, Frank Zappa Band, Thin Lizzy, Nazareth, Deep Purple, Lynyard Skynyrd y Yes, entre otros. Este disco fue ideado por Alejandro Fanghänel para Prodisc México.
En definitiva, este disco doble no puede dejar de estar en tu fonoteca personalizada. Es un buen regalo para fin de año, un excelente producto para apreciarse todo el 2013. Sólo resta esperar una nueva visita de Robert Plant y Jimmy Page a México, tal y como lo hicieron en el Palacio de los Deportes hace algunos ayeres. Lo que sí creo es que nunca veremos en este país una reunión de estos dos genios con John Paul Jones, pero ya saben, soñar no cuesta nada. Hasta la próxima.

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domingo, 16 de diciembre de 2012

Las irregularidades del Festival Bicentenario de Toluca; la última actividad del Centro Larrañaga



Félix Morriña
Es mi deber decirlo. Cuando las autoridades hacen bien las cosas hay que darlas a conocer, como también cuando sucede lo contrario. No hace mucho tiempo comenté lo bien que trabajaron la programación de la última Feria del Alfeñique de Toluca del trienio que tocó cerrar al munícipe priísta Guillermo Legorreta Martínez, por estar mucho mejor que lo ofrecido dentro del Festival Internacional Quimera de Metepec por el alcalde Jaime Efraín Hernández González. En esta ocasión, me toca señalar enfáticamente algunas irregularidades dentro de las actividades culturales del Festival Bicentenario de Toluca.
            He tenido la oportunidad de apreciar en vivo y en directo a agrupaciones de rock internacionales dentro y fuera del país, con o sin orquesta sinfónica, entre ellas Yes, Pink Floyd, Metallica, Guns ‘N’ Roses, Queen y tantas más a lo largo de dos décadas, como para señalar que la programación de este tipo dentro del Festival Bicentenario de Toluca no fue del todo acertada por razones diversas, entre ellas, un pésimo sistema de audio, poca asistencia para ser la celebración de 200 años de una ciudad importante en el escenario nacional, debido a una muy poca o nula difusión. La gente esperaba mucho más.
            Incluso me tocó ver a lo lejos a un vetusto Volkswagen con equipo para perifonear las actividades del festejo bicentenario de una ciudad que merece todas las atenciones de parte de sus autoridades y de su propio pueblo. No puede ser posible que en pleno siglo XXI se sigan prácticas para difundir la cultura de una forma tan llanera que hace sentir fuera de lugar a los turistas, a quienes por cierto no se les ha brindado la atención requerida. No puedes aspirar estar en los esquemas internacionales si no hay una fina delimitación cultural para todos aquellos a los que deseamos llegar. No sólo se trata de persuadir y formar a tu público, sino también a la gente que nos visita.
            Si bien se agradecen las sanas intenciones de promover el rock sinfónico, no se puede arriesgar a hacerlo como en esta ocasión, con grupos a los que les hace falta mayor preparación y proyección, estamos hablando de Estigma (quien actuó la noche del pasado jueves 13) y Surrogate Band (que mejoró su participación tocando a Pink Floyd el viernes 14) y sobre todo si tomamos en cuenta que muchos de los amantes de este género usado en los años 70 y 80 por las bandas de rock progresivo han sido vistas en la capital del país desde hace varios lustros. El melómano exigente se retiraba insatisfecho esa noche de la Plaza Ángel María Garibay, ubicada frente al Cosmovitral, por el simple hecho de que comparaban lo ya vivido con las agrupaciones originales con lo que en ese momento les provocaba incomodidad.
            Por otro lado, una de las irregularidades que tocó a este interlocutor vivir fue el enojo colectivo de los integrantes del grupo fotográfico local Des…enfoque por la falta de atención y cumplimiento de los acuerdos pactados para exhibir sus obras en mamparas de lujo colocadas en el corredor de la Plaza José María González Arratia, las cuales sólo mostraban espacios vacíos y una que otra placa de alguno de los integrantes de la familia Larrañaga, conocidos por sus trabajos como maestros de la lente. No se puede inaugurar una exposición alusiva a Toluca por parte del alcalde sin antes tener todas las imágenes expuestas, porque se toma como una falta de respeto y una carencia absoluta de interés por hacer algo respetable.
            Para fortuna de los habitantes de la capital estatal, las actividades culturales de los festejos del Bicentenario de Toluca continuarán todo el año entrante, justo cuando la presidente municipal Martha Hilda González Calderón esté en funciones y sus directivos como el décimo quinto regidor Mario Medina Peralta, comisionado de Cultura del ayuntamiento, den mejor y mayor forma a estos festejos con programas dignos que tanto merecen los nativos y visitantes de la capital del estado de México.
            Antes de finalizar esta entrega, déjenme decirles que durante la última actividad artístico cultural del año en el Centro de la Imagen Larrañaga, el pasado viernes 14 de diciembre, participaron el poeta Pedro Salvador Ale, el dueto conformado por Miguel Jaimes y Luz Cárdenas Boyasbek y una intervención de tango por el Grupo Arrabal, compuesto por Flor Yadira Valdés y Sandra Tourlay, entre otros ponentes. El año entrante los directivos de este nuevo espacio cultural prometen más actividades cada semana y no como se viene haciendo cada 15 días los miércoles.
            El vate argenmex leyó parte del contenido de su reciente obra poética “Volar de verde volar”, mientras que la pareja musical Jaimes-Cárdenas interpretaron un selecto repertorio de música latinoamericana acompañando al maestro en una velada que fue más allá, gracias a la participación de las tangueras Valdés-Tourlay que hicieron lo propio con la música que ha marcado a la Argentina. Participaron además, el promotor y poeta Jorge Manuel Herrera y el locutor Alonso Guzmán, entre otros.
            El Centro de la Imagen Larrañaga ha hecho un plausible esfuerzo independiente, sin el apoyo de las autoridades culturales de la entidad, sino con el activismo propio de la comunidad intelectual y artística del Valle de Toluca. Enhorabuena por estas sanas decisiones. Estamos en contacto.

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jueves, 13 de diciembre de 2012

Dos testimoniales fílmicos sobre Queen y The Rolling Stones



Félix Morriña
En varias ocasiones he escrito en este mismo espacio sobre algunos conciertos de la agrupación inglesa Queen en varias partes del mundo, incluyendo las anécdotas vividas en 1981 cuando tuve la oportunidad de verles en Puebla cuando niño (a los 11 años de edad y prácticamente no entendía mucho, pero me sirvió para formarme en los años venideros). Ahora sobre esta legendaria banda de ópera rock, como le decían algunos, la transnacional Universal Music ha sacado a la venta en formato DVD “Queen, Hungarian Rhapsody, Live in Budapest” (2012), que comprende el recital completo ofrecido el 27 de julio de 1986 en esa ciudad húngara por el cantante Freddy Mercury, el guitarrista Brian May, el bajista John Decon y el baterista Roger Taylor.
            Según informes confidenciales, este concierto fue estrenado en los cines comerciales a nivel internacional el 20 de septiembre del presente año y ahora lo podrá disfrutar en la comodidad de su casa en DVD. Como es sabido por todos, escuchar y ver a estos grandes del rock es cosa aparte. Podrá sensibilizarse escuchando los temas ‘One Vision’, ‘Seven Seas of Rhye’, ‘A Kind of Magic’, Under Pressure’, ‘I Want to Break Free’, ‘Bohemian Rhapsody’, ‘Crazy Little Thing Called Love’, ‘Radio Ga Ga’, ‘We Will Rock You’, ‘We are The Champions’ y ‘God Save The Queen’, entre otras. El DVD contiene además un cuadernillo con los pretextos de la filmación y un documental de casi media hora titulado “A Magic Year”.
            Pasando a la otra recomendación fílmica, llegó a mis manos la cinta del director inglés Peter Lorrimer Whitehead (1937), “The Rolling Stones. Charlie is my Darling”, en la que muestra a la legendaria agrupación británica durante su estancia en Irlanda en 1965, justo en el momento en que todos cantaban el éxito radial ‘(I cant get no) Satisfaction’. Rodado bajo el clima de un documental con información autobiográfica, este material es un verdadero agasajo visual que todo melómano debe ver y poseer.
El documental fue estrenado a nivel mundial en el pasado Festival de Cine de Nueva York. Nunca antes había sido exhibido, por lo que este lanzamiento coincide con el 50 aniversario de la creación del grupo que ha transformado la forma de vivir y sentir el rock, aparte de sus aportaciones sociológicas. Hasta donde se tiene documentado, este material viene a ser el primer trabajo fílmico de la banda liderada por el cantante y compositor  Mick Jagger y secundado por el seis cuerdas Keith Richards, el baterista Charlie Watts, el genial guitarrista Brian Jones y el bajista Bill Wayman.
            Decía el maestro guitarrista Brian Jones en la película del también director de videos de The Rolling Stones, que el futuro como integrante de la mítica agrupación era muy incierto y que el objetivo final en la vida nunca fue ser una estrella pop, pero lo disfrutaba plenamente. También decía sentirse insatisfecho artística y personalmente, porque siempre se exigió demasiado. Era un monstruo de la música que nunca dejaba de experimentar y explorar. Su supuesta insatisfacción provenía de querer ser el mejor y eso le trajo también problemas al interior de la banda. Los egos estaban en esos años al máximo.
            Por su parte, Mick Jagger decía que tenías que ser muy egoísta sobre el escenario porque en ese momento eres un actor, un tipo que debe ofrecer lo mejor de sí a la audiencia y que en realidad no se es el mismo arriba del entarimado que abajo. En tierra todos se comportaban como amigos, casi hermanos, pero en escena todos debían mostrar su otro lado para no sólo entretener a la gente, sino aprender de todos y lograr la magia.
            La película originalmente fue dirigida por Peter Whitehead y producida por el director y productor Andrew Loog Oldham. El DVD, que ya se puede conseguir con su proveedor preferido, fue cuidadosamente restaurado por la ABKCO Films con material adicional. Aparece en este documental un hombre emblemático en la carrera de “Las Satánicas Majestades”, el productor Mick Gochanour Robin Klein, quien apoyó a la banda para crecer como artistas y seres humanos.
Es una buena oportunidad para todos los seguidores de The Rolling Stones de ver imágenes en blanco y negro de sus inicios en el rock. Es grato apreciar a los músicos interactuar con sus fans en pasillos de los clubes donde tocaban, como también conocer sus modus operandi dentro y fuera de los escenarios, ver cómo se comportaban en los trayectos, así como escuchar las primeras versiones de canciones éxito que más tarde serían la banda sonora de nuestras vidas. Así que sin más querido lector, consígase estos dos materiales que seguro estoy disfrutará plenamente como este “servibar y amigo”. ¡Hasta la próxima!

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martes, 11 de diciembre de 2012

El concierto de Bruce Springsteen, parteaguas en la vida musical mexicana

Félix Morriña

Para muchos exigentes y sesudos melómanos sólo faltabas tú, Bruce Springsteen, para que el universo sonoro mexicano estuviera completamente cerrado. Habrá otros que digan que nos siguen faltando los maestros ingleses de The Who verles en vivo para que todos los veteranos  rockstars internacionales hayan pisado la sagrada tierra azteca, pero una vez que nos enteramos que su cancelación en el Foro Sol, hace más de un año, se debió a situaciones de falta de venta de boletaje suficiente, entendimos que el cantante Roger Daltrey, el guitarrista Pete Townshend y compañía estaban más interesados en llenarse los bolsillos de dólares que brindarse a sus más fieles seguidores mexicas. Tú, Bruce Springsteen, te presentaste tal cual eres, aunque te esperamos 43 años, y la verdad, valió la pena.
            Miles de los que estuvimos en el Palacio de los Deportes, la noche del pasado lunes 10 de diciembre, nos sentimos halagados con tu presencia, porque nos recordaste lo que significa ser un genuino rockero hijo del vecindario, un tipo de barrio que tuvo que partírsela día tras días junto a la clase trabajadora para llegar hasta dónde tú, Bruce Springsteen, has llegado. No es fácil ser y llevar una vida de rockstar, pero tú, vaya que sin broncas brincas ese vaya del ego y del narcisismo para estar con nosotros, los que te hicimos una estrella del firmamento musical hace muchos ayeres.
            Según mis cálculos, los poco más de 12 mil espíritus que yacían rendidos a tus pies en el Domo de Cobre de la capital del país, no daban crédito al verte brincar, correr, dejarte abrazar por el respetable, por las ninfas, por bellísimas féminas y por niños que tuvieron la excelsa oportunidad de estar ahí con nosotros para fortalecer su ser interior. Todos ellos estaban bocabiertos porque ninguno aguantó tu vibrante energía a los 63 años canción tras canción. Apenas nos estábamos recuperando de una sentida rola cuando ya nos estabas recetando la siguiente. Vaya lección de vida. No importa que no hayas reventado el Palacio de los Deportes con los 20 mil que le caben al foro de Churubusco y Añil, porque estábamos los que debíamos.
Fueron tres horas inolvidables en esta primera visita a nuestra tierra. Empezaste a las 21:15 horas y exactamente a las 12:15 del martes 11 de diciembre concluiste un show con la memorable y mítica The E Street Band, además de una respetadísima sección de vientos y metales, como de coristas gospel. Lástima que el sonido del Palacio de los Deportes no haya sido el idóneo por las condiciones propias del lugar, pero valió la pena escuchar a cerca de una veintena de músicos tocando para nosotros, respaldándote en todo momento a ti, siendo testigos de una entrega única e irrepetible. Armónicas, violines, un piano, un órgano, poderosas guitarras, bajos, tubas, voces de todas tonalidades, un coctel que sólo se bebe con blues, rock, folk y góspel antes del fin de una era.
Llegaste con un disco nuevo bajo el brazo titulado Wrecking Ball (2012) y una gira que nos informaron terminaría prácticamente en México. Según fuentes fidedignas, se trataba del concierto número 72 de esta intensa gira en la que te han visto más de dos millones 350 mil personas. Nadie olvidará que dijiste cuántos miles de millas recorrieron para llegar por fin a México. Todos recordarán que te aventaste un set musical dedicado a todos los seres queridos que hemos perdido en el camino, de esos que se nos han adelantado, como tu saxofonista, percusionista y corista Clarence Big Man Clemons, fallecido el 18 de junio del 2011 a causa de un derrame cerebral. Vimos al final del concierto esas sentidas imágenes junto a él en esas tres pantallas que sirvieron de soporte durante tu concierto.
Algunos colegas nos dijeron que te vieron en 1985 en Houston tocando por espacio de cuatro horas y media sin interrupciones. Yo les dije que con tres bastaba y sobraba. Cantaste cerca de 30 rolas, todas de una estructura sonora complicada, que parecían simples por la calidad y sencillez con las que fueron interpretadas. Cada una de ellas llevaba el sello de la casa, es decir, alargadas, no tocadas como están grabadas, con improvisaciones, con un vozarrón que aún posees, y sobre todo, que recibiste con singular alegría cada uno de los obsequios que te acercaban los fieles y respetuosos seguidores que se hicieron presentes. Hasta unos calzones masculinos te arrojaron y tú, Bruce Springsteen, recibiste con humor. Te pusiste los sombreros de charro, te dejaste cargar del escenario mayor a uno alterno, justo a la mitad del Palacio de los Deportes para estar más cerca de la raza de bronce. Regalaste besos, abrazos y una armónica. Todo lo que se espera de un grande como tú.
Cuando dijiste que este país te hacía feliz y que sentías la vibra y los espíritus de un pasado milenario, todos nos la creímos, porque fuiste honesto, como toda tu vida. Nadie omitirá la rola “Spirits In The Night” por la forma en que nos mostraste tus sentimientos encontrados por espacio de 15 minutos. Cuando escuchamos “The River”, “Because The Night” (esa que compusiste para Patti Smith y que cantaban a dos voces en las madrugadas en Nueva York y que tuvimos algunos la oportunidad de escuchar en propia voz de la punketa hace medio año en Coyoacán), “She’es The One”, “Glory Days”, “Waitin On A Sunny Day”, “The Rising”, “Born In The USA” (la más conocida de su trayectoria), “Dancing In The Dark”, “The Promised Land”, “Born To Run”, “Darlington County” y tantas más que se quedarán en la memoria de los poco más de 12 mil congratulados asistentes.
Algunos osados pedían rolas en carteles, otros las gritábamos, y muy en el fondo quería “Pink Cadillac” y “Sad Eyes”, cuya letra expresa en parte lo siguiente: “Every day here you come walking/ I hold my tongue, I doin’t do much talking/ You say you’re happy and you’re doin’ fine/ Well go ahead, baby, I got plenty of time/ Sad eyes never lie./ Sad eyes never lie./  Well for a while I’ve been watching  you steady/ Ain’t gona move ‘til you’re good and ready/ You show up and then you shy away/ But I know pretty soon you’ll be walkin’ this way./ Sad eyes never lie./ Sad eyes never lie”. (Cada día vienes caminando/ me callo, yo no hablo mucho/ tú dices que eres feliz y que te va bien/ Bueno pues, sigue adelante, tengo mucho tiempo/ Los ojos tristes nunca mienten./ Los ojos tristes nunca mienten./ Bien, por un rato te he visto estabilizarte,/ no me voy a mover hasta que estés bien y lista./ Llegas y después huyes/ pero sé que muy pronto estarás caminando a mi manera./ Los ojos tristes nunca mienten./ Los ojos tristes nunca mienten…”.
Ahora, sólo espero con ansiedad absoluta la llegada de otro gigante para mi vida, el maese australiano Nick Cave, quien vendrá a México con sus geniales The Bad Seeds, los próximos 18 y 19 de febrero del 2013. Ya no hay boletos para ambas fechas, esperamos que programen un tercer recital, porque de lo contrario muchos nos vamos a meter en serios problemas con la autoridad con la finalidad de ver a un ser necesario en mediocres épocas. ¡Hasta la próxima!

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martes, 4 de diciembre de 2012

Tex Tex hace volar a la raza del Landó


Félix Morriña
Ya no se meten al cuerpo sustancias tóxicas, porque en una de esas la flaca se los lleva por el largo y sinuoso camino sin retorno. No se sienten viejos, sólo que los excesos les está pasando la factura en cómodas modalidades de pago. No tienen miedo a morir, pero desean que sus esculpidos cuerpos logrados con la “insana” dieta mexicana, sean tratados con dulzura al final de sus días. Tratan de cuidarse lo más que pueden para mantener el prestigio de ser Los Muñecos del rock mexicano. Nunca se han visto al espejo como seres feos, sino todo lo contrario, se sienten la neta del planeta y cuando piden habitaciones exigen una extra y con mayores comodidades para su ego. Señoras y señores, estamos hablando de Tex Tex.
            Como siempre, los hermanos Tex, Lalo y Chucho, reciben a la prensa y a sus seguidores como si se tratase de la familia en alguna reunión de aniversario. No son para nada rockstars, pero sí se dan su lugar y alzan el ego cuando suben al escenario. Son verdaderos cábulas a la hora de cotorrear. El albur no es algo que se les note a primera vista, porque su estética neo mohicano punk los sitúa dentro del art nacó mexiquense. Todos saben que nacieron en el municipio de Texcoco y desde el lago que otrora daba belleza a la región, trazaron la ruta del conquistador callejero.
            Han pasado ya 26 años desde que empezaron a darle sentido verbal a sus historias suburbanas. Han grabado 16 discos oficiales hasta el momento, donde el más reciente se llama Me haces volar (Ava Records, 2012), cuyo contenido fue tocado la noche del pasado sábado 1 de diciembre en el Foro Landó de Toluca, justo el día en el que Enrique Peña Nieto, tomaba protesta como el nuevo mandatario de la nación. Los Muñecos no quisieron comentar nada al respecto, porque ya no tenía caso hablar del absurdo y de los muertos que hubo ese día en el Distrito Federal durante la transición de poderes.
            Para los dos integrantes originales de este grupo bonachón que mezcla lo mismo el humor negro característico de los mexicanos gandules y gandallas con el rock rupestre, básico y llanero, los años les ha dejado como experiencia ser mucho más prácticos, sencillos, discretos y evitar a toda costa les pongan cola por ser críticos del sistema sociopolítico nacional. Ellos prefieren narrar historias llenas de vivencias de la clase trabajadora, de la clase media baja, de los inexistentes para el Estado y de todos aquellos que no serán jamás tomados en cuenta por las transnacionales.
            Tex Tex sigue la tradición de usar sus sombreros como si fueran cantantes de música de Banda. Sus atuendos son rockeros como marcan los cánones, pero tienen ese toque campirano que los hace más chuscos y divertidos. Sus seguidores prefieren usar las playeras del grupo o alguno similar que disfrazarse como sus ídolos. No llegan a tanto, pero eso sí, se saben cada una de las estrofas de las rolas del dúo, otrora trío. Incluso el guitarrista invitado para el concierto en el Landó de Toluca es el hijo mayor de Lalo Tex. Todo queda entre familia. Tex Tex es una banda solidaria y una familia muy unida. Todos extrañan la presencia del tercer Tex original, llamado Paco, pero el barco sigue navegando con sus memorias.
Presenciar un concierto de Tex Tex siempre será tan placentero como motivador, y al mismo tiempo, se trata de una crónica continúa de lo que sucede a diario en nuestro entorno, pero con una singularidad que le ha permitido al grupo haber llegado a la cima del rock nacional, para después de los excesos y malas finanzas, irse al fondo del mar. Tex Tex tiene el orgullo del éxito bien trabajado que después de la zambullida en el mar de los fracasos volvieron a salir con más ahínco. Los conciertos no han bajado de calidad, mantienen las dosis de humor y van in crescendo paulatinamente.
El nuevo plato Me haces volar de Tex Tex contiene 12 historias en las que narran las anécdotas de un “Adicto”, de los “Asesinos del rock”, de “El bailable”, de “El cerro de la silla”, del “Trabajo”, de “Cuándo el amor acaba” a través de un “Vengador anónimo”. Todo eso para saber qué es la “Teoría del caos”. También aseveran que “Algo tiene este café” que se toman cuando “Me haces volar”. Finalmente te dicen “Ven pa acá”, que vamos a disfrutarlo todo.
Para la grabación de este disco, Tex Tex se hizo acompañar del tecladista Sergio Sánchez y del baterista Alex Orozco. Invitaron a los guitarristas Felipe Souza (para la rola “Vengador anónimo”), Alex Otaola (en la pieza “Algo tiene este café”) y Allan (para la rola “La torera”). El músico Diego Alcázar tocó el yembé en la canción “Trabajo”, mientras que Felipe Rojo tocó el acordeón en los momentos claves del disco. La independencia discográfica ha dejado vivir en su justa medida a Tex Tex y nosotros continuaremos festejando su existencia.
Antes de concluir esta columna y comprometiéndome a escribir próximamente de una banda toluqueña muy buena, llamada Laberinto del Caos, déjenme decirles que fueron los teloneros de Tex Tex, quienes por espacio de casi una hora tocaron un fresco y reconfortante rock jazz, mismo que fue apreciado por la audiencia que se dio cita en el Foro Landó de Toluca, el cual está próximo a cumplir dos años de existencia en su sede de Bravo Norte esquina con Paseo Matlatzincas. Desde este espacio, les deseamos suerte, éxito y muchos años más. ¡Hasta la próxima!


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lunes, 26 de noviembre de 2012

“Fotogramas de una gran ciudad”, la melancólica propuesta musical de El Gabinete

Félix Morriña


Antes de que el nuevo mandatario de esta nación dé a conocer a los integrantes de su Gabinete, el próximo fin de semana, yo le propongo uno alterno para salvaguardar los intereses de la nación durante los próximos seis años. Este Gabinete alterno será uno de los más sobresalientes de todos los tiempos. Es más, me atrevo a decir que estos secretarios o ministros de Estado operarán al margen de los nombrados por el priísta Enrique Peña Nieto.
El listado quedará de la siguiente manera: Secretario de Cultura, el maestro Daniel Aspuru; el Secretario de la Defensa, el mandamás Kristian Galicia; Secretario de Gobernación, el dictatorial Enrique Gil; Secretario de Turismo, el campechano y despreocupado Hugo Trejo; Secretario de Comunicaciones y Transportes, el desinteresado en el pulpo camionero, Ángel Boligán; Secretario de Educación Pública, el ilustrado Alejandro Magallanes; Ministro del Interior, el políglota Felipunk Miranda y para cubrir al nuevo jefe del Ejecutivo en asuntos internacionales, sobre todo con los conflictos existenciales venideros en el nuevo desorden mundial, estará Philippe Amand.
Sepan todos de una buena vez, que El Gabinete es un grupo de músicos mexicanos de procedencia lingüística dudosa y apellidos sacados de las huestes de la instrumentación verbal internacional, al grado de que con tan sólo tres discos han dado de qué hablar por todos los sitios donde se han parado. Desde el primer trabajo sonoro, titulado El Gabinete (2007), seguido por Pasando aceite (2010) y el reciente Fotogramas de una gran ciudad (2012), el grupo se ha destacado por su alto nivel musical y propuesta escénica, como también de promoción y difusión de la cultura a través de encuestas que delimitan las demandas y necesidades de los interesados, sea cual sea su nacionalidad, pero que les gusta esta nación.
            El saxofonista, pianista, operador de la tabla hindú, sintetizadores y percusiones, Daniel Aspuru dijo previo a la presentación oficial de Fotogramas de una gran ciudad (Fonarte Latino, 2012), el pasado sábado 22 de septiembre en el Claustro de Sor Juana, que el disco saldría a finales de noviembre, que estaría dividido en cinco actos, con un total de 13 cortes musicales y que estaría basado, inspirado y compuesto para la película Berlín, sinfonía de una gran ciudad del cineasta Walter Ruttmann, proyectada en 1927, en la que se ve a una Alemania destruida por fatídico enfrentamientos bélicos, tal y como ahora percibe El Gabinete a México.
            La película Berlín, sinfonía de una ciudad, según el blog Arquicine-Agus es un experimento de montaje cinematográfico, estructurado narrativamente en torno al transcurso de un día ficticio en la metrópolis. Utiliza el montaje por contraste y antologías, tanto en el plano visual como en el sonoro. Registra, desde el amanecer hasta la noche, un día de primavera de la gran ciudad con su movimiento, su tráfico, sus distintos medios de transporte, y su atmósfera febril y caótica. Llevó a Ruttmann más de un año de rodaje y fue filmada usando cámaras ocultas en furgonetas y maletas para conseguir un efecto más real para su época.
            “El filme es uno de los paradigmas del nacimiento del cine documental. El alemán Walter Ruttmann, reconocido en un principio como cineasta experimental y pionero de la animación, se basó en conceptos musicales (de Edmund Meisel, con guión de Ruttmann y Karl Freund, basada en la idea original de Carl Mayer, con duración de 62 minutos en blanco y negro, obviamente) para hacer una interpretación cinematográfica de la gran ciudad de Berlín, desarrollando todo un sistema propio del ritmo y montaje. La opinión de muchos especialistas coincide en que ninguna película ha sido más influyente y más imitada en este campo”, señala el blog de Arquicine-Agus, publicado el martes 2 de febrero del 2010.
            En su página del Caralibro, El Gabinete se presenta de la siguiente manera: “La propuesta de El Gabinete es fresca, minimalista, ecléctica y profunda. Amalgama en su música instrumentos de viento, cuerdas y percusión con sonidos experimentales, en una mezcla de jazz, vanguardia, electrónica, reflexión social, política y cultural. El Gabinete desde sus inicios ha colaborado con artistas de distintas disciplinas cuyas aportaciones han enriquecido y complementado el trabajo artístico de esta joven agrupación”.
            Cabe destacar que Ángel Boligán y Alejandro Magallanes se han encargado del arte de las portadas de los discos del grupo, como también del diseño gráfico, visual y de video de las presentaciones de El Gabinete, con lo cual debo reconocer que son muy propositivos durante los conciertos. Recuerdo haberles visto hace años en el Centro Cultural España, detrás del Zócalo capitalino, durante la presentación de su primer disco, justo cuando la manager y encargada de medios era Solange García. Fue todo un suceso, pero me han dicho los colegas que ahora el grupo está mucho más compenetrado, elevando la propuesta a niveles internacionales.
Para que este proyecto funcione aún mucho mejor, han agregado en la iluminación y el arte escénico a Phillippe Amand. Dícese que para que este producto fuese completamente redondo, requirieron de los apoyos de gente mayor en el arte escénico y musical como Rogelio Naranjo, Steven Brown, Ariel Guzik, Manrico Montero y Sandra Félix. También, el reconocido cartonista de La Jornada, Rafael Barajas El Fisgón ha participado directamente. Es más, ilustró la portada del primer disco.
Con los temas del Acto I: “Llegada”, “Amanecer”, “Despertar” y “Máquinas”; así como del Acto II: “Ascenso”; del Acto III: “Cenit” y “Estoico”; Acto IV: “Interludio”, “Eclipse”, “Demencia” y “Solaz” y el Acto V: “Nacht”, El Gabinete celebra su primer sexenio en el mundo de la música contemporánea, vanguardista, experimental y fílmica con esta tercera producción Fotogramas de una gran ciudad. Para el resto de los integrantes de la banda: el guitarrista Kristian Galicia, el seis cuerdas y cajón peruano, Enrique Gil y el percusionista Hugo Trejo, “la creación de esta obra fue un regocijo amplificar con sonidos las sensaciones de los fotogramas de esta película. El filme de Ruttmann es a la distancia una proyección en la que podemos apreciar la transformación que nos llevó a esta sociedad postmoderna”.
En definitiva es un disco conceptual y melancólico, ampliamente recomendable. Si puede ir a un recital de El Gabinete con todo y filme de Rutmann, no dude en apreciarlo en vivo y en directo. ¡Hasta la próxima!

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domingo, 25 de noviembre de 2012

“Post Tenebras Lux”, la película onírica y extremadamente intimista de Carlos Reygadas



Félix Morriña
Según el cineasta mexicano Carlos Reygadas Castillo, su reciente película “Post Tenebras Lux” se debería haber titulado “México sangra”, porque está sustentada en un versículo bíblico en el libro de Job: “Después de las tinieblas, espero la luz”, toda vez que en este país la violencia ha tomado un lugar preponderante, pero al mismo tiempo en su filme nos muestra toda una gama de escenas que tienen que ver con un proceso interno personal para liberarse de sus fantasmas y de los propios procesos de los personajes de la cinta, mismos que han dejado la ciudad para vivir en el campo, lo cual propicia sucesos inesperados y cambios de personalidad.
            En esta nueva película de Reygadas no hay actores profesionales, sino un grupo de personas que reflejan de manera natural sus vivencias, dándole un tamiz de documental, pero sin perder la trama “ficticia”, la cual se centra en la familia de Juan, un acomodado personaje que tiene lujos y comodidades en el campo, pero que al paso del tiempo se ven ultrajados y victimizados por los habitantes de esa comunidad. Las largas y lentas tomas, así como el manejo de los tiempos en el filme, han sido duramente criticados por el público y la crítica especializada, calificando de rara e incomprensible a “Post Tenebras Lux”.
            Sobre el demonio que aparece en rojo en dos ocasiones durante las noches en la cinta, y que sólo lo perciben los dos hijos del personaje principal, Reygadas dijo que “todos hemos soñado con el macho cabrío. Es una imagen cercana a nosotros, como un pino o un perro. No simboliza nada. Es el diablo, el demonio, lucifer. El diablo es la maldad que todos tenemos dentro”. El director de cine confesó a la agencia AFP en mayo pasado que había filmado las escenas en la casa donde pasó su infancia y que la caja de herramientas que lleva el demonio en las manos cuando entra a la finca de la familia del protagonista es la de su propio padre.
            Respecto de la escena donde el otrora trabajador de Juan se suicida arrancándose la cabeza debido al arrepentimiento por haber asesinado a su patrón, y por el hecho de que su familia lo abandonó, Carlos Reygadas rememoró que esa parte causó hilaridad durante su proyección en la pasada 65 edición del Festival de Cannes, donde le fue otorgado el mayor reconocimiento como director. El realizador la achacó a la violencia que vive México, eso quiso mostrar desde su óptica: “México ha vivido mucho tiempo de la farsa y es hora de que se le caiga la careta. Si fuese posible ver a mi país desde lo alto se vería una mancha de sangre. Llueve sangre sobre mi país”.
            “Mi cine tiene que ver conmigo, con lo que siento, con lo que pienso. El cine es general sobre el presente, pero si nuestro cuerpo se encuentra en el presente, nuestra cabeza está muchas veces pensando en el pasado o imaginándose lo que va a ocurrir en el futuro. Así es mi guión. Mi película no es un acertijo. No hay una simbología escondida, es lo que se ve. Ustedes los periodistas intelectualizan y juzgan antes de sentir y lo que escriben es puro humo”, explicó enfadado el director de “Japón”, “Luz silenciosa” y “Batalla en el cielo” al reportero de la agencia internacional AFP durante su estancia en Cannes, Francia.
            Tratándose de una película “difícil”, me apoyé en las entrevistas recientes sobre lo que piensa este director polémico, porque por sí sola a la cinta no le hubiera invertido tanto espacio. En una entrevista con el colega amigo de La Jornada, Jorge Caballero, el cineasta Reygadas Castillo le comentó en la publicación del pasado viernes 23 de noviembre que “Post Tenebras Lux” responde básicamente a sus vivencias durante tres años y medio que duró rodar este filme luego de la cinta “Luz silenciosa”. “En ese periodo me pasaron muchas cosas: tuve hijos, formé una familia, construí la casa donde vivo y un montón de cosas con mis manos, un proceso que disfruté mucho. Entonces, cuando uno vive siente y cuando uno siente piensa, y cuando siente y piensa concluye ciertas cosas, y tuve ganas de poner todas esas cosas en este nueva cinta”, aseveró.
            “Para mí la creación es un Aleph personal. En este caso el mío, que pongo para los demás, finalmente se logra materializar en un objeto que es una película, que puedo dar y que sólo se tienen que apretar una serie de botones para dar parte de mí. Eso es lo bonito de la creación: finalmente, das tu personalidad y ésta es lo que eres, lo que piensas, lo que sientes y tus valores. La contradicción es síntoma de reflexión. El propósito de la vida es ser coherente en lo profundo, en el análisis, en los sentimientos”, le compartió Reygadas al colega Jorge Caballero, que seguro estoy no estaba completamente convencido de sus palabras, pero debía registrarlas.
            Para este interlocutor, lo único que más gustó del nuevo largometraje de Reygadas Castillo son las escenas de los baños de vapor de París, Francia, porque son genuinos, la gente que la hizo de extra, pero que es gente francesa común y corriente con una fijación y afición al sexo público masivo, se mostró sin tapujos. Incluso en este tipo de encuentros sexuales, hay procesos de iniciación bajo los preceptos de grandes pensadores, intelectuales, sexólogos e investigadores, cuyos nombres figuran en las salas de vapor, donde los usuarios pueden entrar según sus conocimientos y experiencias. Si se desconoce por completo esta afición, hay guías que despejan todas las dudas. A decir del propio Reygadas esas escenas son las únicas donde hay un registro biográfico, lo demás es todo un proceso onírico intrínseco, extremadamente intimista.
            “Lo único biográfico es la escena en los baños de vapor de París donde la gente va para cambiar de pareja. No hay mensaje alguno acerca del retorno a la naturaleza. Ya casi nadie quiere ir a vivir al campo. A mí me da paz. Me gusta oír el amanecer”, acotó el cineasta para justificar, o al menos, explicar los motivos por los cuales rodó este trabajo de casi dos horas de duración. Una vez que uno lee los créditos al final de la cinta, descubre que la película fue rodada en las zonas boscosas del estado de Morelos y del Estado de México (en el municipio turístico de Valle de Bravo), donde pudo trabajar a gusto, con libertades, con recursos naturales y donde sus hijos, que también actúan en el filme, se sintieron cómodos.
            Finalmente, si el filme no me terminó de convencer (fue mucho mejor el contexto en el que la vi: una sala de proyección con tan sólo cuatro personas, una proyección exclusiva a mi parecer, muy placentera) mi deber es informar sobre su existencia y dejar que usted amable lector diga la última palabra.

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jueves, 22 de noviembre de 2012

Marconio, un profesional contador público de cuentos



Félix Morriña
Pertenece a la Red Internacional de Cuentacuentos (Internacional Storytelling Network) con el nombre artístico de Marconio, como todos lo conocemos, aunque para asuntos legales siempre será Marco Antonio Vázquez Barrera. Ha montado los espectáculos “La verdad y la mentira”, “Tradición tropical”, “Fábulas de la costilla de Adán”, “Su majestad”, “El suspenso”, “Cuento-Aventura”, “Qué te cuento”, “Flaquita (tradición de muertos de México)”, “Olimpiada de cuentos (mitos clásicos)” y “El tlacuache y otros mitos prehispánicos”, todos con gran aceptación dentro de las esferas culturales de México y allende sus fronteras.
Es egresado de la licenciatura en Letras Hispánicas por parte de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y trajo a Toluca la noche del pasado miércoles 21 de noviembre el espectáculo “La gente, el agua, la tierra… Cuentos para un México sustentable”, el cual se presentó en el Centro Cultural de la Imagen Larrañaga ante casi medio centenar de asistentes que disfrutaron de casi dos horas de expresiones antiguas sobre el cómo podemos mantener un país megadiverso, como considera a esta nación que le ha visto crecer, tanto en el plano biológico, como en el plano cultural.
El escritor, narrador oral, músico, actor, decimista e improvisador inició su presentación proyectando imágenes de la pluriculturalidad existente en México con todo y sus 68 lenguas indígenas (según los datos proporcionados pro investigadores serios), además de la gran diversidad de flora y fauna que coloca a esta nación norteamericana entre las más predilectas del mundo, pero desafortunadamente, la clase política y el desinterés de grandes cantidades de personas encargadas de mantener vivas todas las expresiones existentes, orales y escritas, se han encargado de que la apatía ciegue a miles de habitantes y se desconozca la grandeza de México.
El también especialista en técnicas de narrativa en relato, novela y guión cinematográfico dijo que “un concepto de patria debe partir, desde ahora, de esta riqueza de un país megadiverso. México no es un país saqueable. México es un país digno de una vida floreciente, en el que todas las personas, los animales y las especies vegetales debemos respetarnos y ser tomados en cuenta, si queremos alargar nuestra presencia en el planeta. Un verdadero futuro sustentable para nuestro país no sólo implica el manejo adecuado de los recursos naturales, su cuidado y administración correctos. Un México sustentable requiere apropiarnos de la idea de que somos megadiversos”.
Marconio nos ha representado en Italia, España, Cuba, Venezuela, Colombia, Costa Rica, Nicaragua, Perú, Canadá y Estados Unidos, entre otros, en donde cada vez que puede le ofrece un panorama de la riqueza natural y cultural de México. Les cuenta cuentos sobre cómo podemos alejarnos de la violencia para convertirnos en otras especies, les narra las historias de los abuelos de una manera jocosa para que todos las entiendan, así como la de los sabios, las cuales radican en mantener a la naturaleza aceptando la muerte para tener vida y concretar el equilibrio cósmico. Marconio recoge los usos y costumbres prehispánicas mexicanas llevándolas hasta nuestra realidad, las adapta al grado de hacerlas nuevas, presentes, vivas que dejan aprendizaje universal.
Para el fundador de la Compañía Se Cuenta, contadores públicos de cuentos, empresa cultural para el desarrollo del arte de contar cuentos, el proyecto “La gente, el agua, la tierra… Cuentos para un México sustentable”, contó para su realización con la beca del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, dentro del Programa Creadores Escénicos 2012, el cual le permitió con apenas 11 mil pesos mensuales difundir por todo el territorio mexicano esta obra didáctica, pedagógica, divertida, sugerente, sutil y academicista a todo el público, con el único objetivo de cuidar las especies con las que contamos en México y sobre todo crear verdadera conciencia ecológica, civil y de igual manera recomendarla para que se concreten colectivos que aumenten la cantidad de contadores públicos de cuentos en pro de un mundo mejor.
Marconio ha sido parte de los grupos musicales Matraca, de rumba jarocha; Grupo Valle, de música tradicional mexicana y Chaneque, música jarocha y huasteca. Actualmente, se presenta de manera solista interpretando sus propias composiciones y sus propias historias prehispánicas, así como algunas adaptaciones de escritores hispanoamericanos. Marconio es considerado uno de los principales promotores de un México megadiverso, tanto en el plano biológico como en el cultural.
A Marconio le podemos encomendar las finas tareas de la defensa de las especies mexicanas en peligro de extinción, como el hurón de patas negras, tiburón ballena, vaquita marina, guacamayo verde, ajolote mexicano, oso mexicano, perrito mexicano, mapache, manatí, jaguar, lobo mexicano, tejón, tapir, carpintero imperial y el cocodrilo mexicano. Mientras, nosotros haremos nuestra parte para aportar nuestro granito de arena. Enhorabuena por todos los que tuvimos la oportunidad de aprender a cuidar de nuestro entorno la noche del pasado miércoles en el Centro Cultural de la Imagen Larrañaga. ¡Hasta la próxima!

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jueves, 15 de noviembre de 2012

“Milos Latino”, el homenaje de Karadaglic a la guitarra clásica


Félix Morriña

Con tan sólo 29 años, este joven talentoso nacido en Montenegro en 1983 ha dado mucho de qué hablar en las grandes esferas del mundo de la guitarra clásica. Recién fue llamado este mes para sustituir al pianista Kit de Armstrong en la programación del Carnigie Hall de Nueva York en la presente temporada de conciertos. Milos Karadaglic es visto ahora como uno de los más grandes virtuosos de la guitarra clásica y él no siente que debe asumirse todavía como tal, porque sabe que falta mucho camino por recorrer.
            Milos comenzó a tocar la guitarra a la edad de ocho años. El éxito llegó muy rápido para él, por eso trata de sobrellevar el éxito y los excesos propios del estrellato. A los 16 años fue becado para estudiar en la Royal Academy of Music, donde se gradúa con honores. Actualmente forma parte del exquisito repertorio de la prestigiada Deutsche Grammophon. Tiene programadas presentaciones en el Wigmore Hall de Londres y en el Festival de Lucerna.
            Milos Karadaglic tiene en su haber tres discos grabados, el primero titulado “Mediterráneo” (2011), el segundo “La guitarra” (2011) y el tercero “Latino” (2012), éste último llegó hace unos días a mis manos para reseñarlo. Inevitablemente dejo de hacer cualquier cosa al escuchar de manera impecable los acordes de ‘Por una cabeza’ de Carlos Gardel. Cientos de imágenes fílmicas se arremolinan, rememoro los pasos de tango del actor Al Pacino personificando al amargado coronel Frank Slade en “Perfume de mujer” de Martin Brest. O bien, imagino al arrogante Sean Penn en el papel de un magnate y político estadounidense en la cinta “Todos los hombres del rey” de Steven Zaillian, en la que estando en un centro nocturno ve bailar a una mujer en patines este bello tango. Lo mismo me pasa cuando escucho en este disco ‘La comparsita’ de Gerardo Matos Rodríguez.
            Tanto ‘Libertango’, como ‘Oblivion’ de Astor Piazzolla son de una magistral belleza sonora que no puede uno más que escuchar una y otra vez hasta el cansancio este disco, muy latino, como su título. De Heitor Villa-Lobos están grabadas ‘Prelude N. 1’ y ‘Mazurka-Chóro’; de Jorge Morel está ‘Danza brasilera’ y de Roland Dyens el ‘Tango en Skaï’. También destacan ‘Milonga’ de Jorge Cardoso; ‘Un sueño en la floresta’ y ‘Una limosna por el amor de Dios’ de Agustín Barrios Mangoré; ‘Un día de noviembre’ de Leo Brouwer; ‘Quizás, quizás, quizás’ de Osvaldo Farrés y ‘Batucada’ de Isaías Sávio.
            Mención aparte merecen las composiciones del maestro mexicano Manuel M. Ponce con sus ‘Scherzino mexicano’ y ‘Chanson. Andante from Sonata III’, porque más allá de que sean interpretadas con una genialidad pocas veces escuchada, el simple hecho de haberlas tomado en cuenta por este montenegrino nos recuerda del altísimo nivel que poseía el compositor zacatecano y que debemos rendirle pleitesía las veces que sean necesarias.
            “Soñaba con el Royal Albert Hall de Londres cuando era niño. Soñaba que un día tocaría allí, que vendría a Londres. Fue muy difícil para mi familia y para mí. Pero todo tenía sentido, porque pensaba que algún día tocaría en el Royal Albert Hall. Tienes que tener mucha energía dentro de ti para poder transmitir esa electricidad a cada una de las personas del teatro. Si piensas en el Royal Albert Hall, tres mil personas o más, es como si fueras un átomo en el centro y estuvieras sujetándolo todo desde ese núcleo de toda la sala”, explicó en una entrevista el joven guitarrista para la cadena “Euronews” sobre el gran sueño que representa tocar en tan mítico lugar.
            Milos Karadaglic quiere que la guitarra clásica vuelva a ser popular. Todos lo consideran el embajador del instrumento, por lo que se ve obligado a “ensayar todos los días para buscar diferentes colores y efectos. Cuando tocas una frase y la repites, y repites, y repites, entonces llegas a esa nota, es anota que tiene color especial. Te golpea donde tiene que hacerlo, y encuentro la gran belleza de la guitarra. Puedes crear todo un arcoíris de diferentes sonidos con la guitarra, desde el más brillante hasta el más oscuro y al más colorido. Puedes hacer una sinfonía”.
            Al preguntársele sobre el tema ‘Koyunbaba’, compuesto por el compositor italiano Carlo Domeniconi, Milos Karadaglic enfatizó que fue una especie de refugio musical para él. “Para mí fue muy emocionante tocar el tema de Domeniconi porque me recuerda a aquellos primeros meses en Londres cuando estaba tan triste y todo era muy duro. Sentí que cuando lo tocaba estaba experimentando esas emociones de nuevo y apartándolas porque empezaba un  nuevo capítulo. Es increíble cuando deseas algo y todo encaja. Muchas cosas que he vivido son como un dejá vu, porque en mi cabeza ya había visto todo esto”, concluyó la promesa montenegrina y futuro monstruo de la guitarra clásica.
            Por mi parte es todo por ahora. ¡Hasta la próxima!


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martes, 13 de noviembre de 2012

Diana Krall se convierte en una sensual muñeca de noche

Félix Morriña

Gratamente sorprendido al ver en una sala-estudio de grabación al maestro Elvis Costello ser todo un profesional al entrevistar a su esposa, la pianista canadiense  Diana Krall, junto al reconocido productor T. Bone Burnett para dar a conocer los pormenores del contenido del décimo primer disco en estudio de la también cantante titulado Glad Rag Doll (Verve, Universal Music, 2012), en el que hace un intenso extenso recorrido musical por los años 20 y 30 del siglo pasado.
La entrevista de Costello de 11 minutos, que pueden ver con la magia del You Tube, delimita los motivos por los cuales la cantante deja, luego de varios años y títulos, al piano en primer plano para darle la oportunidad a otros instrumentos y a otros músicos participar para darle un giro novedoso a su carrera de más casi dos décadas. En Glad Rag Doll Diana Krall se sumerge a lo que el propio elegante T. Bone Burnett llamó como el rock and roll de los años 20 y 30 del siglo XX, por la forma en la que las propuestas líricas de autores como Harry M. Woods, Fred Frisher, Mort Dixon, Al Sherman, Charles Tobias, Howard E. Johnson, Milton Ager, Dan Dougherty, Jack Yellen, Betty James y Billy Hill, entre una docena más, se dejaban escuchar en un contexto histórico cabaretero y de vodevil.
Ahora que digo vodevil y cabaretero, la portada del disco habla por sí sola. Varios colegas de inmediato expresaron su gratitud a la hermosa Diana Krall posar cual sensual muñeca de noche (“Glad Rag Doll”) en esta sugerente portada y mucho mejor conforme va uno viendo las imágenes del cuadernillo del disco en cuestión. De hecho, cuando ustedes tengan la oportunidad de ver y escuchar la mencionada entrevista de Elvis Costello para la discográfica Verve, ustedes serán mudos testigos de la gran cantidad de fotografías que tomó Mark Seliger que deberían incluir en una edición de lujo de este material genuinamente trabajado por el veterano T. Bone Burnett.
Uno de los principales motivos para grabar piezas de ese periodo musical por parte de la jazzista Diana Krall fue rendir un sentido homenaje a todas las féminas damas de noche, acompañantes casuales, cantantes de cabaret y elegantes señoras solas que se sumergían en el humo del cigarro, de las melodiosas piezas que salían de las instrumentaciones de músicos ahogados en whisky, bourbon y cocaína o heroína, pero que tocaban con un sentimiento único y jamás indiferente. Todo ese ambiente sórdido, pero al mismo tiempo solemne y representativo de la macroeconomía que se vivía por la depresión del 29.
El disco abre con la espectacular “We Just Could’t Say Goodbye”, una canción en el sentido estricto de la palabra que te hace imaginar estar en el club para adultos Dandy de Toluca pidiéndole a la inolvidable escultural morena de fuego que te baile un privado hasta dejarte ídem y estupefacto con los sensualísimos movimientos a los que invita la rola. Luego viene “There Ain’t No Sweet Man That’s Worth The Salt Of My Tears”, un rola que no queda la menor duda que bien la puede tocar la Krall al lado del maestrazo Tom Waits, porque tiene todo su estilo, máxime si el contrabajo es de Dennis Crouch. La rola “Just Like A Butterfly That’s Caught In The Rain” es una melodía que bien puedes escuchar querido lector en compañía de una buena copa de vino en una fría tarde de noviembre, con una mujer metida en la entrepierna.
Por otro lado, escuchar a Diana Krall con el country ‘I’m A Little Mixed Up’ con un piano forte muy elegantemente llanero, te indica que puede pasar de un momento a otro a la sutileza de un solo de guitarra del genial Marc Ribot al grosso seis cuerdas de Colin Linden, para dejarle el ritmo al bataco Jay Belleros, sin olvidarse del determinante bajo de Dennis Crouch y con ello marcar el sello de la rola a través del tecladista Keefus Ciancia. Una rola redonda. Para cuando uno llega a la pieza ‘Prairie Lullaby’, uno recuerda de inmediato las canciones dedicadas a las canciones de cuna y la sensibilidad aflora a la menor provocación. Uno quiere dormir todas las noches viendo la portada de Diana Krall y escuchar esta canción al oído.
La pieza que da título al disco está grabada en versión acústica con la guitarra de Marc Ribot, la cual te va sugiriendo que la vida vale la pena más allá de que la Krall vaya transitándola enfundada en sensuales ropas, cual muñeca nocturna a la espera de una nueva oportunidad, un nuevo amor o una nueva historia por contar. Suspiro porque así sea el resto de mi existencia. Nunca antes, la Krall me había dejado tan satisfecho y bocabierto en sus anteriores discos. De hecho en este espacio, hace poco más de dos años que reseñé su anterior obra Quiet Nights (2009), el cual me dejó gratamente contento, pero nunca me hubiese imaginado a una mujer que el próximo viernes 16 de noviembre cumplirá 48 años y tenga bajo sus atuendos un cuerpo que muchas jovenzuelas envidiarían. Ahora entiendo todo maestro Elvis Costello. ¿Qué mujer tiene a su lado?, ¡por Dios!
Si usted amable y querido lector, consigue la edición especial de este disco, tendrá la versión en piano forte de “Glad Rad Doll”, así como tres canciones extra más (“As Long As I Love”, “Garden In The Rain”, versión al piano y la versión alternativa de “There Ain’t No Sweet Man That’s Worth The Salt Of My Tears”) a las 13 canciones que comprende este joyita para fin de año. Ojalá que en los primeros meses del 2013, los promotores de conciertos internacionales se les ocurra traer a Diana Krall con este disco y salga, por favor, vestida tal cual viene en el disco.
Podría pasármela horas y horas viendo y hablando de este exquisito disco, pero el espacio y el tiempo no me dan la oportunidad, como tampoco me alcanzarían las energías para brindárselas a mi nueva musa Diana Krall. Guardaré la compostura ideal para cuando sea el momento oportuno de tener ese ansiado orgasmo con su música en vivo y en directo. Será una larga, pero satisfactoria espera. ¡Así sea!


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domingo, 11 de noviembre de 2012

The Prog Collective, nuevo proyecto de rock sinfónico de Billy Sherwood



Félix Morriña
Para quien no lo conoce o no lo recuerda, el cuarentón multiinstrumentista estadounidense de rock progresivo Billy Sherwood es uno de los entes creativos más activos en la actualidad que sorprende a la mínima provocación a sus files seguidores. Apenas uno se va enterando de que salió un nuevo disco suyo en etapa solista, cuando ya te están diciendo por otro lado que en unos días estará a la venta una nueva producción en la que la hizo de productor, ingeniero de sonido, instrumentista, o bien, ya está cocinando la segunda parte de una trilogía.
En fin, en esta ocasión toca hablar de The Prog Collective, el nuevo proyecto de rock sinfónico, como también se le conoce al rock progresivo, de Billy Sherwood. Este proyecto no es cualquier cosa, vamos, nada de lo que hace el colaborador de bandas como Yes, Toto, Circa, World Trade, Conspiracy y The Fusion Syndicate, lo es. De hecho, he preguntado a varios amantes del rock progresivo y me dicen que son muy pocos en México que tienen conocimiento al dedillo de cada una de las acciones de Sherwood. Es tan volátil que no es fácil seguirle la huella. Necesitas invertir una buena parte de tu vida en seguir su obra, que te puedes olvidar de tus propios proyectos.
Imagínense el poder de convocatoria del creador del disco “Art of Survival” (2012) para tener en The Prog Collective a John Wetton (Asia), Alan Parsons (banda del mismo nombre), Tony Levin (King Crimson), Rick Wakeman (Yes), Chris Squire (Yes), Gary Green (Gentle Giant), Annie Haslam (Renaissance), Steve Hillage (Gong), John Wesley (Porcupine Tree), Geoff Downes (Asia), Peter Banks (bajista original de Yes), Larry Fast (Yes, Nektar, Peter Gabriel, Tony Levin Band), Colin Moulding (XTC), Jerry Goodman (Jazz Fusion Mahavishnu), Richard Page (Mr. Mister), Tony Kaye (Yes) y David Sancious (miltiinstrumentista que ha trabajado de tecladista, guitarrista y demás con Carlos Santana, Peter Gabriel, Zucchero, Bruce Springsteen, The Mahavishnu Orchestra, Sting, Eric Clapton y un largo listado).
            “La idea de reunir una colección de increíbles artistas del género del rock progresivo en un solo proyecto era un concepto especialmente para mí. Inspirado, comencé a escribir y grabar las siete canciones que se convertirían en este álbum. Luego envié esas grabaciones a algunos amigos y héroes musicales de bandas como King Crimson, XTC, Asia, Gentle Giant, y por supuesto mi antigua banda Yes. Pronto empecé a recibir pistas vocales y overdubs de guitarra y teclado de estudios en todo el mundo, que luego se mezclan en mi estudio de grabación de Los Angeles. A pesar de las distancias en la geografía, sin embargo, el sentimiento de toda la producción es uno de unidad musical y espiritual, que ahora conocen como The Prog Collective”, dijo el productor de este genuino proyecto que tanta falta hacía en la escena internacional del rock progresivo, Billy Sherwood.
            Los temas que incluye el disco homónimo al nombre de la banda son ‘The Laws of Nature’, ‘Over Again’, ‘The Technical Divide’, ‘Social Circles’, ‘Buried Beneath’, ‘Follow The Signs’ y ‘Check Point Karma’. Este material ya lo pueden conseguir con su distribuidor preferido en versión normal o la de lujo que incluye un póster para forrar algún cuaderno o agenda, un tríptico con las letras de las rolas, un diseño ad hoc para un disco que intenta en la medida de lo posible ser cíclico-dialéctico y los datos de la producción; así como un disco con las mismas siete rolas, pero en versiones instrumentales. En pocas palabras, Billy Sherwood no dejó escapar nada y por supuesto intenta convencer por todas las vertientes de la calidad de su proyecto, al que seguro usted ni nadie escapará.
            Muchos han dicho que no soportan al rock progresivo por exceso de exquisitez, porque cada pieza dura más que el sueño profundo de un bebé y se les hace interminable, o bien, por más educado que tengan el oído, no alcanzan a saber en qué momento entró la siguiente pieza sonora y mucho menos los títulos de las obras y canciones. Señores, esto es un asunto conceptual y habrá que esforzarse más.
Lo único que puedo decirles de este primer disco de The Prog Collective es que nos seduce desde la primera escala musical hasta la última. Al principio no es necesario sumergirse hasta el fondo para entenderlo, sino de darse el tiempo para disfrutarlo en el momento idóneo. Dejar que la elegancia y sutileza de cada instrumento empleado por cada uno de estos magos te lleve por ese viaje dialéctico hasta el infinito. Es un disco que invita a conectarse con el sentimiento, el conocimiento, el pensamiento intrínseco con la pacha mama y sobre todo muy melodioso, exquisito.
Ya si desea comprenderlo, habrá que invertir un fin de semana completo en conjunto con amantes del género escuchándolo día y noche para delimitar cada instrumento, las intervenciones vocales, seguir con la lectura de las rolas cada magistral pieza y así sucesivamente hasta terminar extasiado. Requerirá de vacaciones por la inversión de energía aplicada, por eso le digo que vaya poco a poco. Sin duda, es uno de los discos que debe poseer para este fin de año. Le recomiento que lo regale a sus seres queridos, exigentes con la Diosa de Euterpe, porque sino se la van a mentar o los pondrá a pensar.
Para finalizar, les comento que mientras redactaba esta columna, Billy Sherwood ya estaba dando a conocer que ya está trabajando en el segundo disco de este bonísimo proyecto de rock progresivo. ¿No les digo? No se puede con este genio de la música. Lo que me gustaría poseer ahora mismo, sería un video de algún concierto con todas estas leyendas. Ojalá pronto llegue a mis manos. Hasta la próxima.

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