miércoles, 31 de agosto de 2011

Del sentido homenaje a Amy Winehouse, a la reedición de sus discos con algunas rarezas

Félix Morriña
Estoy nuevamente aturdido, emocionalmente borracho y lleno de rabia. Feliz de oír una y otra vez tu excelsa voz negra en tu entidad blanca. Cansado de escuchar sandeces sobre tus excesos, cuando lo que importa es el sonido Motown fusionado con lo mejor de los cronners blancos del orbe en tu garganta, en tu corazón, en tu vida. Veo en el televisor, el sentido homenaje que te ofrecieron en la vigésimo octava edición de los MTV Video Music Awards. Alegra que Russell Brand haya dicho con simpleza que “eras un genio, una chica ordinaria con un cabello extraordinario, pero que al escucharte por vez primera supo que tu talento era único”. Vaya que lo era.
Por su parte, el mítico Tony Bennett habló de aquel dueto que hizo contigo mi amor. También gustó mucho la interpretación de Bruno Mars, quien hizo vibrar al público y a la audiencia televisiva mundial cuando las notas y letra de “Valerie” entró por todos mis sentidos. Cada día que pasa te extraño más. Me doy cuenta de que el mundo ha perdido el sentido de lo verdaderamente humano. Me convenzo de que nada importa, salvo ese sentido de humanidad y la musicalidad que salva vidas, que humaniza. Te prometo que trataré de no perder ese sentido.
¿Mi amor, dime con precisión quirúrgica qué nos sucedió física, sentimental y mentalmente entre el galardonado disco Frank y el memorable Back To Black? ¿Por qué decidiste tatuar de esa forma tan lánguido corpus entre esas dos hostias plateadas? No puedo evitar sentir un terrible nudo en la garganta cuando veo las inocentes y sugestivas imágenes tuyas incluidas en Frank y luego sentirme arrogante, feroz, trepidante y compulsivo, cual personaje de bajo barrio con resaca interminable tras un trago de whisky barato cuando te veo en las fotos de Back To Black. Son dos historias diferentes. Son dos mujeres diferentes, pero amadas con igual intensidad. Esa eres tú, amada Amy Winehouse.
Luego de recordar ese sentido homenaje la noche del pasado domingo 28 de agosto, decido beber como tú lo hacías acompañado de ambos discos, con la novedad de que conseguí la reedición de estos álbumes con un disco con rarezas cada uno. Estos álbumes dobles recién aparecieron en el mercado y la verdad quien los adquiera terminará como yo al filo de la cama con botella en mano y sin querer ver el frío y lluvioso amanecer. No quiero ver jamás el amanecer oyendo tu música. Quiero una noche interminable con whisky barato de un solo grano, sin comer, con algunas drogas que me mantengan aguzados mis sentidos y tú a mi lado con ese despeinado cabello setentero, tus ojos maquillados a la Nina Hagen o a la Susan de Siouxsie And The Banshees o como las punks de los años setenta. Te quiero a mi lado como alma perdida, desolada a la espera de la muerte.
Mi amada cantautora judía-inglesa con alma negra, alma de soul jazz, me devolviste la vida con estos dos discos con rarezas, mismas que contienen demos, cual primeras tomas, no pienso decirles a estos amigos lectores, cómplices desde hace dos décadas, cómo se llaman, qué dicen, cómo se oyen, qué significan para extraños melómanos. No voy a decirles, te lo prometo. Ellos, deben conseguir esas portadas,  una en blanco y otra en negro, sencillas, pero con un contendido que les dejará nudos en la garganta. De la música, no hay expresiones suficientes. Que sufran un poco.
Lo que sí voy a decirles, es que si no te han conocido lo suficiente, deberán acercarse a estas joyas que nos heredaste. Es necesario decirles a las nuevas generaciones plañideras lo que significas para la música de calidad en este planeta. Tu música queda en la memoria de un sector exclusivo de la humanidad. Ojalá sea de la memoria colectiva. Quizá tarden muchos en entender tus aportaciones a la cultura universal, pero ese es nuestro trabajo. Mientras tanto, voy a la vinatería más cercana por más whisky barato, porque no puedo dejar de escucharte.

martes, 23 de agosto de 2011

La cultura del Bar 2 de Abril a El Baúl, pasando por El Landó

Félix Morriña

La semana pasada fue tremendamente pesada, pero nutrida para los amantes de la cultura, porque se llevó a cabo un encuentro de jazz en el renovado Landó, escenario otrora ubicado casi en la esquina de Villada y Gómez Farías de la capital mexiquense, actualmente en la esquina que logran Nicolás Bravo y Circunvalación (Paseo Matlatzincas). Dicho espacio completamente renovado y vistoso, nos hace pensar que se trata de nuestro Lunario del Auditorio Nacional a la mexiquense, porque está a la altura de las exigencias de los melómanos del Valle de Toluca. De entrada, felicitaciones a los dueños y promotores del Landó.
Toda la semana hubo actividades, pero la noche del jueves 18 de agosto se llevó a cabo el majestuoso recital de la cantante Iraida Noriega, el guitarrista Alex Otaola y el artista plástico del cine mano Pio, quienes por espacio de hora y media nos dejaron con la boca abierta, porque nadie esperaba una propuesta jazzística contemporánea de este tipo y menos con la proyección de imágenes fílmicas transmitidas desde un escáner y manejadas con la mano. Esta técnica de Pio es cosa aparte dentro del quehacer del séptimo arte y que deberá ser motivo de una columna aparte.
Iraida como siempre, utilizando al máximo esa capacidad vocal, experimentando con sus tonalidades y manejando el ritmo y los tiempos del recital en su mayor parte; mientras que Otaola siguiéndola con las seis cuerdas y en varias ocasiones provocando que la Noriega se esforzara aún más para seducir al respetable. El Landó tuvo la respuesta deseada del cada vez más exigente joven público toluqueño que abarrotó el sitio esa velada. Les recomiendo que el próximo fin de semana se den la oportunidad de ver la entrevista realizada esa madrugada por este interlocutor y el camarógrafo Benjamín El Mito Gutiérrez a través de Agenda Cultural Toluca y Fanzine Tv que transmiten por el canal You Tube.
Previo a este concierto, el miércoles 17 de agosto en el Bar 2 de Abril de Metepec, el veterano fotógrafo profesional conceptual y docente de la UNAM, Adrián Fierro Ayala, ofreció una conferencia dentro de las actividades semanales del Movimiento Cultural de Resistencia, Rebeldía y Revolución, que promocionan Jesús Espino, Edgar Rosas Cabañas y Esteban Farfán, entre otros, incluyendo a este interlocutor.
Durante su intervención, el egresado en Diseño Gráfico de la Escuela Nacional de Artes Plásticas con Maestría en la Academia de San Carlos, dijo que se puede hacer fotografía contemporánea (recreación de la realidad) sin la necesidad del fotoperiodismo y sin la necesidad de la fotografía situacionista (la de los celulares y equipos portátiles de computación) e inclusive sin la necesidad de un equipo extravagante y sofisticado, es decir, de alta tecnología, porque se requiere de talento, conocimiento del entorno sociopolítico y cultural. Con una cámara estenopeica se pueden hacer maravillas.
Adrián Fierro Ayala dio una cátedra sobre la imagen fotográfica, sobre cómo se puede entender el mundo, la realidad y la cotidianeidad a través de la lente de un verdadero artista o de un reportero gráfico profesional. Defendió a capa y espada su postura académica, pero como todo un ente creativo dejó que todos compartieran sus experiencias, para con ello nutrir al universo fotográfico. Fierro Ayala es un ente interdisciplinario que critica a las mafias de fotógrafos que se intercambian los premios nacionales, que detienen el progreso y evolución de las nuevas generaciones. También esa entrevista la podrán apreciar y criticar en los medios mencionados líneas arriba.
Para el sábado 20 de agosto, tuve la oportunidad de compartir conferencia con los amigos y colegas Luis Flores y Alonso Guzmán, además de otros participantes en la Cuarta Feria del Disco Independiente en El Baúl, del Foro a la Luz, en el que abordamos el tema de los alcances de los foros de expresión cultural del Valle de Toluca; las limitaciones para poder ejercer una profesión dentro de las Bellas Artes; los beneficios y broncas que nos traen la cercanía con el Distrito Federal; la falta de interés de las autoridades locales y estatales, encargadas de promover y difundir el arte, entre muchos pros y contras.
Lo bueno, es que todos llegamos a la conclusión de que ya es momento de ponerle el sello local a lo que se haga en casa, nutriéndose de las actividades culturales nacionales e internacionales, participando activamente en cada uno de los eventos de nuestros iguales y mejorando la difusión y promoción de eventos programados, sean cual fuere su origen, pero cuidando la calidad. Enhorabuena la participación de una buena cantidad de bandas de distintas corrientes sonoras, la activa postura de las disqueras que se dieron cita y sobre todo, de la gente que asistió, a esa a la que nos debemos y a la que cumpliremos sus expectativas. Hasta la próxima.


domingo, 21 de agosto de 2011

Michael Nyman presenta "The Piano Sings" y "Cine Ópera" en el Teatro de la Ciudad y Museo del Chopo

Félix Morriña

Todavía recuerdo muy bien al pianista, musicólogo, crítico musical y compositor inglés Michael Laurence Nyman (1944) en una de sus presentaciones en la majestuosa sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), durante uno de sus memorables recitales a mediados de la década de los años noventa. Para ser mucho más precisos, estuvo las noches del jueves 14 y viernes 15 de noviembre de 1996. Aún no puedo olvidar las piezas contenidas en la banda sonora de El cocinero, el ladrón, su esposa y su amante del cineasta británico Peter Greenaway que fueron interpretadas la primera noche por la banda de Nyman, compuesta por 14 músicos.
            Hace poco más de un mes (viernes 10 y sábado 11 de junio), Michael Nyman se presentó sólo con su piano y el apoyo visual de algunas fotografías fílmicas en esta maravillosa sala de conciertos de la Máxima Casa de Estudios del país. Interpretó un programa denominado The Piano Sings durante ese fin de semana. Las secciones culturales respetables de los algunos medios de comunicación de circulación nacional registraron los dos eventos, pero hacía falta algo más y por ese motivo, ese mismo recital será presentado por primera vez en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris (Donceles 36, Centro Histórico), el próximo jueves 25 de agosto a las 20:30, para todos aquellos que no tuvimos la oportunidad de verlo.
Mientras escribo esta columna y escucho tres piezas del programa The Piano Sings que me proporcionaron los organizadores de los recitales de este genio en México (Solange García y Carlos Becerra de Independent Recordings) recuerdo a Michael Nyman caminando de la mano de la fallecida coreógrafa alemana Pina Bausch por las bellas callejuelas de la ciudad colonial de Guanajuato en el 22 Festival Internacional Cervantino (FIC) de 1994. Ellos se conocieron en el Cervantino y nadie, absolutamente nadie, registró esa efímera relación de dos grandes de la cultura internacional. En aquella ocasión, la noche del 17 de octubre, el maestro Nyman había ofrecido un concierto en el monumental Teatro Juárez donde tocó selecciones de las obras Draughtsman’s Contract, Zoo, Water Dances, Fall Of Icarus y partes de la obra compuesta para el filme El piano de Jane Campion.
Ese año, hubo varios festejos musicales para Michael Nyman como parte del 50 aniversario de su nacimiento. El programa de mano señalaba que la música de Nyman se caracteriza por la gran diversidad de técnicas, lenguajes y estilos que abarca, con lo cual no es prudente colocarlo todo el tiempo dentro del género del minimalismo, término inventado por él en 1968 cuando publicó un artículo en The Spectador cuando se refería al trabajo del compositor inglés Cornelius Cardew.  La mayor influencia de Nyman dentro del minimalismo es John Cage.
Con un eclecticismo saludable, Nyman hace evidente su versatilidad: alcanza una soltura idéntica en el territorio que aborde. Asimismo, su producción comprende los más diversos géneros: ópera, música de cámara, partituras concertantes y canciones pop con la banda Flying Lizards, entre otras sorpresas en las que ha estado inmerso el también fotógrafo experimental, tal y como consta en la exposición Cine Ópera, proyecto que incluye una serie de 59 fotografías y una película de 20 minutos en el que realiza un recorrido visual por el derruido Teatro Cine Ópera, ese donde se llevaron a cabo memorables conciertos como el de Los Lobos, Bob Dylan, Héroes del Silencio y Bauhaus (con éste último se cerraron sus puertas). También este espacio tuvo su momento de esplendor en la época de oro del cine mexicano
 Esta exposición será inaugurada el próximo miércoles 24 de agosto a las 19 horas en el Museo Universitario del Chopo (Dr. Enrique González Martínez 10, Colonia Santa María La Ribera), en donde se proyectará también la película. La curaduría es de Israel de León y contó con el apoyo de la asesora Trisha Ziff. Como muchos saben, este edificio está en el abandono total y Michael Nyman en uno de sus tantos recorridos por la Ciudad de México, llegó a la colonia San Rafael y se topó de frente con la historia devastada, llena de agujeros en el techo y un silencio sepulcral entre sus butacas. Este trabajo fílmico tiene un registro experimental, pero oportuno para pensar en el rescate de nuestros espacios públicos culturales y arquitectónicos. La muestra estará abierta al público hasta el 15 de enero del 2012 de martes a domingo de 10 a 19 horas.
Michael Nyman escribió sobre este suceso lo siguiente: “El 16 de febrero de 2010, armado con una cámara fotográfica y una DV Cam, emprendí la catalogación, en el menor tiempo posible, de todos los espacios públicos y privados del Teatro Cine Ópera a los que pude acceder. De las más de 700 imágenes de decadencia y desamparo que pude registrar, 59 se presentan aquí”.
“Mi principal objetivo, continuó, era el auditorio: una manifestación en forma de muerto viviente de las ‘ruinas de la modernidad’. En la película Cine Ópera únicamente utilizo imágenes de este espacio, que a su vez se divide en tres elementos: sillas, escenario y tejado. Este último ejemplifica claramente la desastrosa belleza de la ruina, al menos por las mañanas, cuando los rayos del sol brillan a través de sus orificios. Estas imágenes en movimiento tienen dos consecuencias: una poética y política; la otra pragmática y fotográfica.
“En el primero de los casos, los rayos de luz se burlan de cierta manera del propósito original del Teatro Cine Ópera, al comportase como los haces de los proyectores que todavía se encuentran en la sala: proyectan imágenes inexistentes sobre una pantalla inexistente, evidencian la necesidad de una subvención pública o privada que pueda rescatar este cine. El 29 de mayo de 2010, cuando regresé a este lugar, me encontré con que el tejado estaba protegido con una red negra (mi Teatro Cine Ópera había sido invadido por la filmación de un comercial televisivo de un conocida bebida etílica), que filmé como simbólica mortaja”.
Señoras y señores, esta es la oportunidad de apreciar a uno de los más grandes genios de la música y amante de la fotografía y el séptimo arte en vivo y en directo. Si se lo pierden, allá ustedes.


martes, 16 de agosto de 2011

"Un crimen nada perfecto", excelente comedia fílmica de Peter Hewitt

Félix Morriña

¿Se imaginan a un guardia de seguridad nocturno de un reconocido museo estadounidense quitarse la ropa frente a una escultura de un guerrero griego para imitarlo en su postura? ¿Se imagina a otro guardia de seguridad que se la pasa prácticamente cuidando todo el día una pintura denominada La doncella solitaria, misma de la que está perdidamente enamorado? ¿Se imagina a un tercer guardia también enamorado de una pintura en la que están varios gatos y una mujer dándoles de comer?
            Si a esos tres obsesionados guardias les agregamos la noticia de que la exposición a la pertenecen las tres obras será trasladada a un museo en Dinamarca, porque el nuevo curador del museo ha hecho un trato para que se lleven las obras que han sido exhibidas a lo largo de 30 años y es hora de darle un toque modernista al espacio museístico, ustedes ¿qué creen que pase?
            La penúltima película del cineasta inglés Peter Hewitt titulada en español Un crimen nada perfecto (su nombre original es The Maiden Heist, en alusión a la pintura La doncella solitaria, proyectada en las salas del vecino país del norte en el 2009 y sacada en formato DVD en este 2011), es una excelente comedia para amenizar la mitad de semana para que no se nos haga pesado el trabajo en la empresa, oficina o negocio.
La comedia se le da muy bien a Peter Hewitt y el simple hecho de que emplee como eje central de Un crimen nada perfecto a las artes plásticas, atrapa a todo aquel amante de las bellas artes. No es común que los personajes nodales sean pinturas y esculturas y mucho menos que tres sensibles guardianes de un museo se apropien del significado de cada una de ellas y además que hagan sus propias historias en torno a éstas. Cualquiera de los típicos guardianes no entiende en lo más mínimo lo que significan esas obras. Ese es el punto sublime de la comedia de Hewitt.
Sin duda no podría ser una película recomendable sin la presencia de actores de primer nivel, como lo son Morgan Freeman, Christopher Walken y William H. Macy. Perdón, olvidaba a la crucial Marcia Gay Harden, quien desempeña el papel de la esposa del amante de La doncella solitaria. Sólo para que se hagan lo más pronto posible de este filme, les diré que el papel de Morgan Freeman (Charles) es el del guardia que ama la pintura de la mujer con los gatos, por tal motivo tiene muchos en su departamento con nombres de pintores reconocidos a nivel mundial. Charles es amanerado, reproduce muy bien las pinturas, pero es pésimo ladrón, al igual que sus colegas.
Sí, lo han entendido, los tres guardianes museísticos planean robarse las obras para continuar con su cotidiano deleite de verlas gran parte del día, para ello, se apoyan de todo lo que tienen a su alcance, pero al final del día, se dan cuenta de que tienen la belleza artística en sus vidas, a su alcance.
El manejo de la trama sentimental entre Roger (caracterización del maestro Walken) y su esposa estilista (la guapa doña Marcia Gay Harden); el desnudo de George (William H. Macy) ante su escultura favorita, que va más allá del erotismo y la sensualidad; la buena fotografía, los efectos especiales cuando están planeando el robo en el departamento de Charles (Freeman) y la duración de 90 minutos, hacen de esta cinta un verdadero deleite.
En verdad que el cineasta Peter Hewitt logró dirigir a estos fenómenos del séptimo arte, muy al estilo en el que lo hubiera hecho el judío neoyorquino de Woody Allen, sólo que sin los egos subidos a tono. Es más, me atrevo a señalar que esta película puede ser trasladada a las artes escénicas, al teatro, lo cual sería una belleza, porque normalmente se hace al revés, pero se me antoja. Una vez que vean esta película, me lo dicen queridos lectores.



domingo, 14 de agosto de 2011

"Los recuerdos del futuro" de Los Abominables y "El último aliento" de Hummersqueal

Félix Morriña

Vaya sorpresa la que me llevé cuando escuché Recuerdos del futuro del quinteto mexicano Los Abominables, porque me atrapó sin más y a la media hora ya estaba tarareando el estribillo de la rola “Super Thing”: “Mi cuerpo es toda una inversión… Mi cuerpo es toda una inversión”. Luego me puse a bailar con el tema “Mathematical Dream”, para enseguida quedar quieto con la experimental “Mussolini Pink Head Neon Eyes”. Cambiando al azar los temas doy con la rola que los ha hecho conocidos en el circuito de antros rockeros en la capital del país: “Berlín” y me convenzo de inmediato de promoverlos y recomendar su música.
Quizá me hayan atrapado porque en su estructura sonora esté toda la influencia del new wave de los años ochenta que en particular me marcó durante mi proceso académico. Tal vez haya sido la indumentaria de texturas en piel o plastipiel de colores pastel, estampados felinos, botas Doctor Martens, colores florescentes, guantes y cabellos vistosos. Incluso parecen haber salido de un comic viejo, pero con actitud fresca. Lo cierto es que llaman la atención con su música y su vestuario. Aún no los veo en escena, pero ya tengo ganas. Espero presenciar un concierto a la brevedad para que termine de convencerme.
            El tema “Vortex” tiene esa musicalidad que da la sensación de ser un tema del grupo alemán Rammstein y “Plastic Sky” suena a esas bandas europeas de reciente formación. Eso quiere decir que Los Abominables bien podrían competir sin broncas con cualquiera de los grupos exitosos a nivel internacional. Podrían ser teloneros de esas agrupaciones y ser parte de los festivales que se hacen en todo el orbe.
Cabe recordar que Six Million Dollar Weirdo se transformó en Los Abominables por razones de proyecto musical y de algunos cambios en la alineación, pero a decir de los propios integrantes siguen haciendo la misma música y mantienen la misma esencia. Integrado por El Abulón en la composición, voz, programación y sintetizadores; Tammy en el bajo, Zette en la batería acústica, eléctrica y percusiones; Lauren en los teclados y Monny en las guitarras, Los Abominables ya tienen en su haber una producción antes de Recuerdos del futuro, cuyo título es Percepción extrasensorial, el cual aún no escucho, pero me haré llegar el material.
Algunos seguidores de esta banda me dijeron que pusiera mucha atención en las rolas “Brian Police”, “Love Transmisión”, “Lazer Gun” y “Diamantes”, de ese primer disco como Los Abominables, pero yo estoy clavado ahora asimilando los 10 temas de Recuerdos del futuro. De hecho, el título fue el preciso para esta producción que es presentada en las tiendas de discos en formato octagonal con una portada en donde El Abulón  o Aboo tiene actitud de pirata futurista. Le acompañan Zette y Monny en posición de ataque. Entrémosle sin broncas a este material discográfico.
Pasando al segundo disco anunciado en esta columna, les informo que salió hace medio año al mercado el tercer disco en estudio de Hummersqueal, titulado El último aliento, el cual fue producido por Javier Blake (División Minúscula) y que tiene como sencillo el tema “Caída libre”. Desde su salida este disco mantiene la línea del grupo de hacer un rock básico, pero potente y con letras que no son pretenciosas. Este material contiene 10 temas que representan lo hecho a lo largo de una década de trabajo (nacieron en el año 2000).
“Arderás”, “200 años”, “Retrovisor”, “Desencuentros”, “Me voy”, “Legiones”, “Días amargos” y “Sol y sombra” son algunos de los temas que incluye El último aliento. Conformado por Normand Olea en el bajo; Christian Guijosa en la guitarra y voz; Adrián López en la batería y Salvatore Vitale en las seis cuerdas y voz, Hummersqueal sigue forjándose un camino que pronto verá mejores dividendos. Acérquense a estos dos discos hechos en la lengua de Cervantes.

jueves, 11 de agosto de 2011

"I Told You I Was Trouble", la herencia audiovisual de Amy Winehouse

Félix Morriña
Como era de esperarse, tras la muerte de Amy Jade Winehouse, ocurrida el pasado 23 de julio en Londres, Inglaterra, su casa discográfica sacó al mercado internacional un disco completísimo en formato Blue Ray, titulado I Told You I Was Trouble, en el que por espacio de 200 minutos los melómanos podrán disfrutar de un concierto celebrado en Londres en el 2007 que fue editado en DVD bajo el nombre de Live From Shepherd’s Bush Empire, además de un documental con el nombre que da título al producto en cuestión.
            Además de lo mencionado, el Blue Ray contiene un concierto extra, efectuado en el Porchester Hall, casi en el mismo periodo en el que hizo el recital en el Sheperd’s Bush Empire de la capital inglesa. Y por si no queda satisfecho el seguidor de la creadora de “Just Friends”, “Back To Black”, “Wake Up Alone”, “Tears Dry On Their Own”, “He Can Only Hold Her/Doo Wop (That Thing)”, “Some Unholy War”, “Me & Mr Jones”, “Monkey Man”, “Take The Box” y “Addicted”, entre muchas otras, el disco incluye una sección extra de canciones bajo la denominación de Back To Black And White, con tres canciones interpretadas de otra manera.
            Como saben, el formato Blue Ray no está, desafortunadamente, al alcance de todos los melómanos, pero quien invierta en esta joyita sonora quedará prendado del sonido PCM Stereo con audio Master 5.1, con una imagen de alta definición y podrán ver el documental con subtítulos en español, portugués, italiano, holandés, alemán y francés. Vamos, los productores de la casa discográfica no escatimaron en recursos para que todos los amantes de la fusión del soul, con el jazz, Rhythm And Blues, rocanrol y algo de ska, no se vieran defraudados. Ver a Amy Winehouse en este formato es algo especial, sobre todo si no tuvimos la oportunidad de apreciarla en vivo.
            Para nadie es un secreto que Amy Winehouse tuviera como influencias a Elvis Presley y Frank Sinatra, a Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald, Nina Simone, Ernestine Anderson, Dee Dee Bridgewater, Billie Holiday y Abbey Lincoln, entre muchas otras, sólo que ella tenía una presencia muy distinta y un comportamiento diferente que las antes atormentadas cantantes mencionadas. Además, de que Amy Winehouse parecía más una roquera inglesa de bajo perfil, por decir lo menos; más parecida a un punketa en fase terminal que una bella fémina con exquisitez musical.
            Winehouse tenía una voz contralto que le permitía dar un registro muy emotivo y grandilocuente a sus sentimientos. Si nunca hubieras visto su lánguido cuerpo tatuado y sus excesos con las drogas duras, el alcohol y los fármacos, seguro hubieras pensado que por momentos se trataba de una mujer negra y en otros una mujer con tintes aburguesados y finos. Pero, una vez que subía al escenario y observabas su comportamiento, la manera en la que dirigía a sus músicos, la forma de cantar con un sentimiento que te enchina la piel, entonces, sólo alcanzabas a decir que se trataba de un ser único y especial; un ser atormentado por su propio fantasma; un ser que pertenece al mundo onírico y al limbo.
            Nacida el 14 de septiembre de 1983, la cantante y compositora británica sólo grabó dos discos: Frank (2003) y Back To Black (2006), éste último logró seis nominaciones a los Premios Grammy, de los cuales obtuvo cinco, entre ellas, Canción del Año, Grabación del Año y Mejor Artista Nuevo. Su look Beehive ha sido fuente de inspiración para diseñadores y estilistas, como es el caso del diseñador de modas Karl Lagerfeld. Su muerte no ha sido aclarada hasta este momento, sólo señalan que fue encontrada muerta en su departamento en el barrio de Camden de la capital londinense a la edad de 27 años (la misma que tenían Jim Morrison, Jimi Hendrix y Janis Joplin al momento de morir) y se investigan las causas.
            El disco I Told You I Was Trouble puede ser considerado la herencia musical de esta judía que tuvo trastornos de alimentación, pero que nos dio tanta tristeza como alegrías a través de su sentidísima música. Con tan sólo dos discos, Amy Winehouse nos dio tantas cariñosas bofetadas en el alma que uno la extrañará eternamente. Atrévase a sentir lo mismo adquiriendo este Blue Ray. Hasta pronto.

martes, 9 de agosto de 2011

"I Feel You", la comunión sonora y sentimental de Herb Alpert y Lani Hall

Félix Morriña

Todo aquel que haya nacido después de la segunda mitad del siglo XX, conoce a la perfección al productor, trompetista, compositor y empresario discográfico estadounidense Herb Alpert, ya sea porque le disgustaba su música al lado de la legendaria banda The Tijuana Brass, allá por los años setenta y ochenta, o bien porque fue parte de la banda sonora de su vida; pero sin duda, nadie desconoce su existencia. Para aquellas jóvenes generaciones que no saben absolutamente nada de él y su trabajo creativo, les recomendamos su reciente disco titulado I Feel You.
            I Feel You es un disco hecho a la par con su segunda mujer oficial en su vida, la cantante Lani Hall, en el que muestran, sin sentimentalismos, ni ñoñerías de la tercera edad, una secuencia de acordes con acertadas improvisaciones incrustadas en el jazz hall, elegancia, melodías y un gusto por lo clásico. En este disco participan instrumentistas de gran nivel y conocimiento del sello jazzístico de Herb Alpert, como el pianista Bill Cantos, el excelso baterista y percusionista Michael Shapiro y el bajista Hussain Jiffry, quienes le dieron un toque íntimo al producto terminado.
Esta hostia plateada del 2011 contiene sofisticados, innovadores y únicos arreglos a temas que han marcado de alguna manera a estos amantes en su etapa como músicos y productores, al grado de interpretar “Here Comes The Sun” y “Blackbird”, de The Beatles, como hasta ahora nadie lo ha hecho. Lo mismo pasa con las interpretaciones que hacen de la música brasileña de compositores como Vinicius De Moraes y Milton Nascimento a los temas “Berimbau” y “Club esquina”, respectivamente.
Hay un tema destacable de Van Morrison en el disco, el clásico “Moondance”; como también composiciones de sus músicos invitados a este proyecto, entre ellos el que da título al disco, hecho por el pianista Bill Cantos. Los temas “Cast Your Fate To The Wind”, “There Will Never Be Another You”, “Fever” (compuesta por Eddie J. Cooley y John Davenport e interpretada por Peggy Lee, todo un clásico), “Viola”, “Sometihing Cool” y “What Now My Love”, completan el listado de canciones que merecen ser escuchadas con  mucha atención, toda vez que el maestro Herb Alpert aún tiene el sello, el sentimiento, el marcaje de los tiempos exactos, y sobre todo, el nivel de improvisación que ya quisieran muchos de los jazzísticas jóvenes y no  tan jóvenes.
I Feel You fue grabado en Los Ángeles, California, el año pasado y abarca un recorrido sonoro de cuatro décadas de música que presumen a lo largo de su vida creativa. Es el primer álbum de la pareja en estudio en casi una década, lo que le da un sentido mucho más serio. Ojalá emprendan una gira que toque suelo mexicano en el Auditorio Nacional para beneplácito de exigentes melómanos.
Cabe recordar que Herb Alpert (Los Angeles, California, 1935) es también muy reconocido en el mundo por ser dueño y socio de Jerry Moss del sello discográfico A&M Records, pero nadie pone en duda que el mundo lo conoció por The Tijuana Brass y por haber vendido más de 72 millones de discos en el orbe. Ha tenido el orgullo de colocar 28 álbumes en las listas del Billboard, haber obtenido ocho Premios Grammy, 14 discos de Platino y 15 Discos de Oro. En pocas palabras, Herb Alpert es un ente creativo dentro de la industria de la música que debe ser parte de la memoria colectiva de todo amante de la Diosa Euterpe.
No queda más que disfrutar de este disco, digno de ser parte de tu fonoteca. Hasta la próxima.

domingo, 7 de agosto de 2011

“Juego de traiciones”, thriller político sobre la administración Bush en Oriente Medio

Félix Morriña

Basada en hechos reales, la reciente película de Doug Liman, “Fair Game” (titulada en México como “Juego de traiciones”) causó malestar entre la comunidad estadounidense que apoyó la administración del presidente George W. Bush, durante su proyección en las salas de ese país, porque narra un escandaloso episodio histórico en la vida sociopolítica de la Unión Americana con su intervención en Oriente Medio, al acusar a Irak de crear armas de destrucción masiva en el periodo del presidente Saddam Hussein.
            Como muchos saben, la intervención de las fuerzas armadas gringas en países de Oriente Medio durante la última faceta del dictador iraquí, Saddam Hussein, al principio fue tomada como ejemplar, porque se decía que Bush nos estaba protegiendo de un enemigo público para occidente que debíamos eliminar, no sólo iraquí, sino que formaba parte de un conglomerado de países que tarde o temprano se unirían para acabar con una forma de vida y de creencias religiosas.
            Nada más equivocado, porque se descubrió que desde el interior del sistema político, militar y de las corporaciones de inteligencia estadounidenses se estaba fraguando una guerra sin justificación contra una nación que ya había dejado atrás la carrera armamentista por falta de recursos financieros. Tenían a los científicos, pero no el capital para generar alguna bomba nuclear y eso lo sabían algunos sectores de inteligencia y de la prensa de la Unión Americana, pero decidieron iniciar una guerra para mejorar su economía y ponerle la bota en el cuello a la población iraquí y señalarles como enemigos del mundo, que si bien no eran moneditas de oro, no merecían esa guerra atroz.
Cabe recordar que Hussein fue dictador de 1979 al 2003, cuando un ejército anglo-norteamericano invadió Irak y lo desalojó del poder. Él escapó durante varios meses hasta que fue atrapado en un sótano de su localidad natal, Tikrit, el 13 de diciembre de ese mismo año. Fue hasta el 2006 cuando fue condenado por un Alto Tribunal iraquí por haber cometido un crimen contra la Humanidad cuando ordenó la ejecución de 148 chiítas de la aldea de Duyail en 1982. Este fue el único delito por el que se le castigó, pero olvidaron acusarlo oficialmente del ataque químico a Halabja, en Kurdistán, en 1988 y el aplastamiento de la rebelión chiíta en 1991.
Además, faltó castigarle por los centenares de miles de muertos que provocaron las guerras que desencadenó contra Irán entre 1980 y 1988, así como la invasión a Kuwait en 1990. Hussein fue ejecutado el 30 de diciembre del 2006 y su muerte fue considerada una vergüenza internacional, porque sus verdugos chiítas no tuvieron ningún reparo en insultarle mientras moría. El video de la ejecución sigue circulando en la red por todo el mundo, como un ejemplo para las nuevas dictaduras en el orbe.
La parte política de la invasión a Irak es lo que filmó Doug Liman y para ello se hizo de un reparto excepcional, pero sin duda, destacan las actuaciones de la nominada al Premio de la Academia, Naomi Watts y del Ganador del Premio de la Academia, Sean Penn, quienes en esta película forman un matrimonio aparentemente normal, pero ambos han estado metidos en la política gringa y como agentes secretos. Todo se cae hasta que altos funcionarios de la administración de Bush los desenmascaran ante la prensa para continuar con su plan de invasión.
Valeri Plame (Naomi Watts) es un agente secreto que socialmente se dice empleada de una agencia de venta de autos y productos similares, así como burócrata de medio cargo en Washington, DC, pero en realidad maneja diversas operaciones secretas en varios países árabes para investigar si en verdad están fabricando armas de destrucción masiva. Para lograr su objetivo, se apoya en su marido (Sean Penn), quien fue diplomático en la gestión de Bill Clinton y conoce muy bien las zonas en conflicto. El personaje de Sean Penn se compromete en decir la verdad por razones éticas y todo se complica al grado de ser señalados y perseguidos por la prensa que apoyó a George W. Bush y su séquito de colaboradores.
El director de “Identidad desconocida” y “Sr. y Sra Smith”, nos ofrece en “Juego de traiciones” un thriller político con mucho drama y con un buen manejo de la historia, basada en hechos reales. El director logró su cometido de atrapar al espectador serio y cinéfilo, para recordarnos lo que realmente es la política internacional de los vecinos del país del norte. Ya pueden conseguir este filme en formato DVD a un precio accesible. Que la disfruten.


jueves, 4 de agosto de 2011

“Genesis, The Tribute”, álbum doble con lo mejor del rock progresivo de Phil Collins y compañía

Félix Morriña

Para muchos, la mejor etapa creativa del grupo inglés Genesis fue entre 1970 y 1975 cuando estaba su alineación conformada por el cantante y flautista Peter Gabriel, el baterista Phil Collins, el tecladista, corista y guitarrista Tony Banks; el bajista y corista Mike Rutherford y el seis cuerdas Steve Hackett. Cabe recordar que Genesis tuvo varias alineaciones a lo largo de su trayectoria, incluyendo a genios en sus respectivos instrumentos como es el caso del baterista Bill Bruford que los acompañó en la gira de 1976 y uno de sus más recientes cantantes que tuvieron fue Ray Wilson entre 1997 y 1999.
            En el 2007, específicamente entre junio y octubre, Genesis llevó a cabo la gira “Turn It On Again”, la cual constaba inicialmente de 20 conciertos en Europa y 20 en Estados Unidos, pero fueron ampliados dado el masivo éxito de la convocatoria. En el repertorio, los músicos incluyeron temas de todas las etapas de la banda, la cual nació en 1967. Los conciertos que desafortunadamente no pisaron suelo mexicano, estaban llenos de la parafernalia escénica característica del grupo. Detrás del concepto escénico estaba Mark Fisher, el reconocido escenógrafo de Pink Floyd, The Rolling Stones y U2.
            En esta gira no participaron los ex integrantes de la época dorada, entiéndase Peter Gabriel y Steve Hackett, pero sí lo hicieron el baterista Chester Thompson y el guitarrista Daryl Stuermer, junto a Tony Banks, Phil Collins y Mike Rutherford. Cabe destacar que tanto Thompson y Stuermer han sido invitados sólo para ser parte de las giras, mismas que son maravillosas y muy imaginativas, espectaculares, como cada una de sus presentacioens que ahora ya se pueden conseguir en formato DVD y SACD, con audio de alta definición y sonido envolvente. De hecho sus materiales han sido reeditados para placer de melómanos exigentes y para todos aquellos que deseen saber de verdadera música.
            Y hablando de buena música, les recomiendo ampliamente la salida al mercado del álbum doble “Genesis, The Tribute” en el que participan el cantautor inglés John Wetton (integrante de Asia y King Crimson), el tecladista suizo Patrick Moraz (Yes y The Moody Blues), el guitarrista y escritor australiano Daevid Allen (Soft Machine y Gong), el baterista y vocalista estadounidense Shaun Guerin (Cinema Show) y las agrupaciones The Flower Kings, G2enesis, Controlled Bleeding, Silver Ensamble, Roadhawk, Spirits Burning, Inca God, Acoustic Moods, Mother Gong y Architectural Metaphor, entre otros.
            Son 19 temas dividido en dos discos con una muestra representativa de Genesis, con temas nodales en su trayectoria como ‘Squonk’, ‘Back In New York City’, ‘Cinema Show’, ‘Dancing  With The Moonlit Knight’, ‘Tonight, Tonight, Tonight’, ‘Tell Me Why’, ‘In Too Deep’, ‘The Waiting Room’, ‘Visions Of Angels’, ‘Carpet Crawlers’ y ‘I Can’t Dance’, entre otros. Todos los temas son interpretados con el rigor que hubiera utilizado Phil Collins y compañía, por lo que suena como si fueran ellos y no un disco tributo.
            “Genesis, The Tribute” es un disco que puede ser la referencia para todo aquel que no sepa absolutamente nada de una de las bandas pioneras en el rock progresivo mundial. El arte de la portada y de los discos compactos es del nivel que se esperaría para rendirle tributo a Genesis. Con este disco, dan ganas de ponerse hasta atrás, porque se trata de una agrupación nodal en la vida de la música contemporánea. Tributo a quien se lo merece de verdad.
            Ojalá se les ocurra a los miembros de Genesis volver a reunirse, ya sea para una gira o para hacer un concierto a beneficencia en México, o bien para grabar un disco, porque de verdad cómo se extraña a una agrupación con ese nivel musical, ese compromiso con la calidad sonora y visual. Genesis es de esas bandas concretas, completas, multidisciplinarias, que elevan al espíritu a unos niveles insospechados. Gracias Genesis por lo que nos has dado para mejorar como seres humanos.